Классическая роспись: Классическая роспись по стеклу. Идеи из прошлого | Лисицына Т. Г., Балчин Джуди

Содержание

Классическая роспись стен


 

 

 

К нам в студию обратилась Наталья, желающая в своей квартире украсить стены росписью. При встрече уточнили все главные моменты работы. Ремонт в квартире уже шел полным ходом, и было ясно, что стиль близок к классике. По согласованию с заказчиком, роспись выбрали в манере французских живописцев начала 18 века.

Наши специалисты поработали над материалом и представили эскизы будущей росписи, выполненные с фотопривязкой интерьера, причем совершенно бесплатно. Суть нашего проекта сводилась к следующему: на плоскости стены были сделаны углубления типа ниши. Наружные края углубления были украшены орнаментированными полиуретановыми фризами, выполненными под лепнину.  В этих углубления и должна была располагаться наша роспись, переплетаясь темой с уже существующими элементами декора – фигурками ангелочков.

По согласованности с заказчиком, цвета росписи предполагается выдержать в нежных пастельных оттенках. Тем, кто хочет в интерьере мягкости, нежности, присущих классическому стилю, непременно понравится роспись стен. Разумеется, все помещение должно быть выдержанно в той же манере. Итак, основные акценты были расставлены, предстояло претворение проекта в жизнь.

Для создания фона и облаков был использован краскопульт с распылением красок воздухом, что дает возможность сделать очень тонким слоем краски плавные переходы. Последующие этапы росписи выполнялись только при помощи кистей, что является процессом, требующим профессионального умения и особой внимательности к деталям.

Прорисовка человеческих тел обязывает художника в совершенстве владеть техникой классики, чтобы живая динамика сюжета передавалась зрителю, и нашим специалистам это удалось в полной мере. Краски использовались акриловые.

Результат работы превзошел все ожидания, настолько гармоничны были легкие облака, фигуры женщин и скульптурные миниатюрные ангелочки, рельефность цветка. В восторге были не только хозяева квартиры, но все, кто лицезрел роспись: умиротворенность, покой и нежность, которым веяло от росписи, передавались в атмосферу помещения. Вообще это замечательная идея роспись стен Железнодорожный в этом отношении нас радует, это далеко не первый наш заказ в этом замечательном городе.

Классическая роспись все чаще применяется в декорировании жилья, это не только расширяет пространство помещений и создает атмосферу любви и тепла, но также придает жилью большую индивидуальность, убирает безликость, присущую обычным отделочным технологиям, вроде оклейки обоями. Постепенно стиль классический начинает вытеснять лаконичность современных стилей. Действительно, после насыщенности рабочего дня хочется порой окунуться в нежную мягкость классики. Эту атмосферу могут для вас воплотить художники нашей студии с использованием любой творческой идеи.

Классическая роспись в интерьере, г.Железнодорожный 2014г

Классическая роспись стен в Москве

Классическая роспись стен в Москве

Классическая роспись стен — придает помещению уникальный вид. Сделать заказ, посмотреть примеры росписи, узнать стоимость вы можете на сайте.

Роспись создает особую атмосферу, способствует целостному восприятию внутреннего интерьера. Удивительно, однако, такой вид отделки стен и потолка совершенно не утратил своей актуальности и сегодня, хотя классическая роспись появилась на рубеже XII—XIII вв. Важно понимать, что классическая живопись на стенах — это не просто картинка или узор, а отражение внутреннего мира человека, передача его эмоций и видения окружающего пространства. Именно поэтому классическая роспись интерьера свидетельствует не только о успешности и хорошем социальном статусе человека, но также о его хороших душевных качествах, умении видеть прекрасное в окружающих вещах.

 

ЗАКАЗАТЬ

+7 (499) 394-71-69

+7 (926) 542-67-57

Часы работы ежедневно с 11.00 — 22.00

Наша студия предлагает свои услуги по эксклюзивному оформлению любых помещений в квартирах, частных домах и коттеджах. Опытные художники обладают хорошими навыками и мастерством по классической росписи, создавая настоящие произведения искусства. В разделе наши работы каждый посетитель может ознакомиться с примерами выполненных работ, оценив изящество узоров, гармонию цветов и оттенков, а также сочетание различных художественных стилей.

Классическая роспись подчеркивает индивидуальность жилья, создает комфортные условия для проживания. Более того, роспись в классическом стиле вызывает приятные эмоции и повышает настроение, делая людей более счастливыми и радостными.

Как заказать роспись

Заявка

Вы оставляете заявку или звоните нам +7 (499) 394-71-69

Согласование

Мы выезжаем к Вам и делаем замер, разрабатываем эскиз проекта — Бесплатно!

Роспись

Заключаем договор !
Вы вносите предоплату.
Мы начинаем выполнять работу.

Сдача работы

Вы принимаете ее, вносите оставшуюся сумму и рекомендуете нас своим друзьям )

Ваше сообщение отправлено.
В ближайшее время вам ответят

Вы заполнили не все поля.

Классическая роспись по мебели за .

Художественная Роспись мебели. Спальни, гостиные, детские. Разработка авторской «ART-Идеи». Только индивидуальная эксклюзивная работа художника. Оригинал !!!

Художественная роспись мебели.
Художественная роспись выполняется только авторски вручную, без помощи каких-либо технических новшеств. Профессиональные художники-дизайнеры индивидуально расписывают интерьеры в целом, и мебель в частности. Существуют различные технологии, например, такие, как декупаж (от франц. слова вырезать – вырезание изображений из разнообразных материалов), с которыми работают художники. Благодаря художественной росписи мебели, можно не только приукрасить новый комод, но и обновить старые элементы декора. Любой, даже самый старый элемент мебельного декора, оформленный эксклюзивным индивидуальным рисунком, могут стать доминантным предметом интерьера в пространстве.
Мебель с художественной росписью – это выразительный акцент или наоборот гармонично подобранный декор. Во многом роспись придает единый эксклюзивный стиль. Расписывать можно практически все: столы, стулья, шифоньеры, шкафы, кровати, тумбочки, зеркала и, многое другое. Бывает достаточно лишь красиво расписанной кровати, чтобы вся атмосфера и настроение в комнате улучшилось. Бывает, что не нужно ни художественной росписи стен, ни потолка, хватит красивых насыщенных элементов декора, в образе расписанной мебели.
В наше время, когда появилось большое количество разнообразных программ квартирного дизайна и строительства, хозяева своих невзрачных комнат пытаются переделать некрасивые жилые пространства во что-то более насыщенное и гармоничное. Комфорт – это доминантное условие прекрасных условий на рабочем месте и отличного релакса в домашнем круге.
Для создания идеального комфорта необязательно тратить большие средства, просто необходимо со некоторым вкусом стиля подойти к формированию декора. Иногда даже невзрачную, старинную мебель можно прекрасно задекорировать. Скорее всего, вы даже не можете представить себе, что вещи, которые вами считались лишними в комнате, и вы не знали как от них избавиться, а выкинуть вроде бы как весьма жаль, потому что многие элементы мебели хранят в себе дорогие вашему сердцу воспоминания, могут измениться намного к лучшему. Расписной шифоньер, журнальный стол на роскошных ножках, расписанный с использованием технологии Де-Купаж, тумбочка в стиле Арт-Деко придает вашей мебели некоторую неповторимость и вносит в Ваш интерьер насыщенность и завершенность. В этом максимально помогает художественная роспись по мебели, которая подчеркивает роскошный и изысканный вкус ее владельца. Художественная роспись по мебели может служить главной «ART-Идеей» вашего интерьера или внесет в него свои эксклюзивные нюансы. Например, роспись кухонных элементов мебели поможет оживить ее, и конечно будет располагать к повышению кулинарному искусства за счет «вкусных» рисунков, либо теплой гаммы цветов.
Если вы не желаете начинать серьезный ремонт, но хотите что-то поменять в своем интерьере, то художественное декорирование интерьера будет то, что требуется. Игра цветовых оттенков и фактуры, разнообразных элементов декора и света позволит вам создать гармонию и искусственное расширение пространства маленького помещения. Только в дизайне декорирования интерьера вы можете проявить свою художественную мысль, реализовать индивидуальную «ART-Идею», создать роскошное настроение и выразить ярко свой внутренний мир.
Специалисты клмпании «Арт-дизайн» имеют огромный профессиональный опыт в художественной росписи мебели и других элементов декора интерьера, и с удовольствием проконсультируют Вас по любым вопросам, окажут квалифицированную помощь при формировании заказа, подскажут Вам наиболее оптимальный дизайнерский или конструктивный вариант решения Вашей задачи и помогут определиться Вам с материалом. Мы воплощаем в жизнь уникальные, порой безумно фантастические проекты по росписи мебели, по готовым эскизам или по желанию нашего Клиента-но это стоит того, при виде конечного результата.

Более детальную и исчерпывающую информацию Вы можете получить на нашем профессиональном художественном сайте: design111.ru. Специалисты <<АРТ-ДИЗАЙН>> имеют огромный профессиональный опыт в художественном искусстве и с удовольствием проконсультируют Вас по любым вопросам, окажут квалифицированную помощь при формировании заказа , подскажут Вам наиболее оптимальный дизайнерский или конструктивный вариант решения Вашей задачи и помогут определиться Вам с материалом. Мы изготавливаем уникальные изделия из разнообразных материалов, по готовым эскизам или по желанию нашего Клиента.

Звоните !

Моб. : 8 918 538 09 49

Или пишите нам на e-mail : [email protected]

6 приемов, советы дизайнера, фото

О жизни во дворце мечтают многие, но мало кто может себе позволить. Впрочем, и в городской квартире можно организовать немного дворцовой пышности. На помощь придет стиль барокко

Фото: Shutterstock

Роскошь напоказ — так можно охарактеризовать стиль барокко. В чем истоки этого стиля, как воссоздать шик XVII века в квартире и как сэкономить на барочном интерьере, выяснили вместе с дизайнером.

Эксперт в этой статье:

Оксана Даниленко, дизайнер интерьеров

Барокко — стиль, для которого характерны вычурность, роскошь и повышенное внимание к деталям. Барочный стиль применяется не только в интерьере, но и в архитектуре, дизайне одежды и украшений. Стиль зародился в XVII веке в Италии.

Фото: Neovitaha777/wikipedia.org

Итальянская знать и священнослужители, выступавшие заказчиками строительства, требовали от мастеров придать побольше шика классическим зданиям и интерьерам, чтобы укрепить свой пошатнувшийся авторитет. Так зародился стиль, отличающийся максимальной помпезностью.

Фото: Kolossos/wikipedia.org

В XVIII веке барокко сменил чуть более сдержанный стиль рококо. Помпезность в нем приглушается за счет меньших форм, асимметричности и изящности исполнения.

Что такое барокко

Роскошь, излишество, уникальные и продуманные детали — основные признаки барочного стиля. Считается, что барокко призван подчеркнуть дороговизну интерьера. Стиль максимально абстрагирован от окружающего мира, в таком интерьере все сделано на заказ, с особым вниманием к деталям и без особой привязки к реальному миру за окном. Барокко не приемлет типовых решений и утилитаризма. Мебель и аксессуары здесь в первую очередь украшают, а уже потом выполняют какую-то функцию.

Фото: Ermell/wikipedia.org

Характерные черты барочного интерьера:

  • симметрия;
  • плавные линии;
  • обилие деталей;
  • множество аксессуаров;
  • дорогие материалы;
  • каждый предмет уникален, а в идеале — сделан на заказ.

Стиль барокко в интерьере: 6 приемов

Мебель в стиле барокко

Барочный стиль в мебели можно узнать по замысловатым формам и роскошным материалам. Каждый предмет как будто претендует на то, чтобы стать произведением искусства.

Фото: Shutterstock

Характерные черты мебели в стиле барокко:

  • избыточность форм, функциональность объекта отступает за второе место;
  • мягкие, замысловатые контуры, в отделке используется множество деталей с изящной резьбой;
  • мебель стоит на изогнутых ножках, приобретая таким образом внешнюю легкость;
  • все сделано из самых дорогих материалов — шелка, бархата, цельного дерева редких пород и глубоких драгоценных цветов, мрамора;
  • аксессуары и детали мебели украшены позолотой и посеребрением, инкрустированы драгоценными камнями.

Норма для барочного интерьера — предметы мебели, которые служат исключительно для красоты: балдахины над кроватью, декоративные консоли с расписными вазами на них и др. С точки зрения стиля главное, чтобы каждый предмет был красив и поддерживал общий стиль комнаты своими изгибами и деталями. Чаще всего основной цвет мебели либо аналогичен цвету стен, либо контрастен ему.

Фото: Shutterstock

Отделка потолков

Потолки в доме стиля барокко не могут быть простыми — по сути, они рассматриваются как холст.

Фото: Shutterstock

Потолки нередко украшают:

  • лепниной;
  • росписью;
  • фресками;
  • массивными люстрами.

Важно, чтобы потолок не контрастировал со стенами, а оставался их продолжением — возможно, образуя общий сюжет.

Отделка стен

Простые минималистичные стены тоже не подходят для барокко. На них располагают объемные элементы:

  • лепнину;
  • молдинги;
  • колонны;
  • пилястры;
  • ниши;
  • вычурные бра;
  • статуи.

Обои должны подчеркивать роскошь убранства, в идеале — иметь текстурный выпуклый узор. Картины могут стать дополнительным украшением, но только будучи заключенными в массивные рамы, с покрытием под золото, серебро или бронзу.

Фото: Shutterstock

Напольное покрытие

Можно обратиться к паркету с замысловатым рисунком из ценных пород. Обычная елочка или укладка прямыми линиями будет неуместна. Кроме паркета, для стиля барокко подходят полы из мрамора или камня.

Фото: Shutterstock

Часто для барочного пола используются ковры, но они не должны закрывать всю площадь пола. Ковер в барокко — отдельный уникальный элемент интерьера со своим рисунком, который подчеркивают красоту паркета или камня. Лучше отдать предпочтение светлым вариантам, которые сочетаются по цвету с потолком.

Цветовая гамма

Барокко ассоциируется с позолотой, которую используют и при создании мебели, и при оформлении стен, потолков, и в аксессуарах. Чтобы подчеркнуть роскошь золота, лучше выбирать сочетания со светлой натуральной гаммой (голубой, желтый, экрю, розовый) или, напротив, с контрастными цветами драгоценных камней (синий, бордовый, изумрудный, пурпурный).

Текстиль

Ткани, которые используют для обивки мебели и украшения помещения в стиле барокко, должны быть дорогими или качественно имитировать роскошь. Барочному интерьеру хорошо подойдут:

  • атлас;
  • бархат;
  • тонкий хлопок;
  • парча;
  • гобелены.

Фото: Shutterstock

Важную роль в таком интерьере играет оформление окон. Они должны быть прикрыты плотными шторами, лучше всего — портьерами с дополнительными элементами: кисточками и ламбрекенами. Для занавесок подойдет тяжелая ткань, образующая крупные складки.

Советы дизайнера

Оксана Даниленко, дизайнер интерьеров:

— Барокко — один из самых сложных стилей, его невозможно ни с чем перепутать. Этот стиль часто называют венецианским или дворцовым. Я советую не бояться вычурности и излишества. Барокко — это роскошь напоказ! Но к созданию такого интерьера надо подходить очень грамотно и рационально.

Барокко подразумевает большое пространство и величественные потолки, этому стилю требуется пространство, маленькое помещение не даст ему раскрыться. Лучше всего для барокко подойдет большой загородный дом. Но есть и свои приемы для барочных интерьеров в городском жилье.

Как создать стиль барокко в маленькой квартире:

  • использовать светлые оттенки и подчеркнуть их темными элементами;

  • выбирать мебель с маленькими резными элементами. Очень хорошо подойдет сочетание белой или кремовой мебели с позолотой;

  • не усложнять потолки большим количеством уровней, а выбрать один акцент. Можно использовать витраж с подсветкой либо лепнину по углам потолка;

  • свет лучше сделать скрытый в потолке, потому что небольшая люстра может «убить» барокко, а большая в городской квартире неудобна и неуместна;

  • можно сделать акцент на бра, использовать «пышные» варианты;

  • сократить яркое золото до золотой патины. Таким образом вы создадите глубину и не утяжелите пространство.

Сэкономить на барокко сложно, но возможно:

  • имитация авторской мебели, выполненной на заказ, может вписаться в небольшой бюджет;

  • лепные элементы можно заменить качественными полиуретановыми копиями;

  • вместо мрамора и натурального камня можно использовать керамогранит на ровных поверхностях или декоративную штукатурку с эффектом мрамора. На рельефных поверхностях, к примеру колоннах, гипс и камень заменят полиуретан;

  • фрески ручной росписи можно заменить печатными аналогами (не путать с фотообоями). Такие фрески печатаются на плотных флизелиновых обоях и сверху имеют слой, имитирующий штукатурку, что придает им глубину и реалистичность.

Чего стоит избегать в интерьерах барокко:

  • пустые стены упростят дизайн и будут выглядеть незавершенными;

  • большое количество современных элементов, в том числе бытовой техники и электроники, будет диссонировать с общим дворцовым настроением;

  • мелкие цветочки и растительность в текстиле и обоях могут увести дизайн в провинциальную Европу и прованс.

как появились образы и что они символизируют

В православных храмах образы Богоматери — одни из самых почитаемых. Иконописцы писали Деву Марию одну, с Младенцем, в окружении святых. Читайте, какие существовали каноны в изображении Божией Матери и какие древние известные иконы им соответствуют.

Первые иконы на Руси

Богоматерь Одигитрия с избранными святыми (фрагмент). Конец XV века. Ярославский художественный музей, Ярославль

Богоматерь «Всех скорбящих радость» (фрагмент). Последняя четверть XVIII века. Центральный музей древнерусской культуры и искусства им. Андрея Рублева, Москва

Богоматерь Тихвинская с Акафистом. Первая половина XVI века. Псковский государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник, Псков

По преданию, первые образы Богородицы создал святой евангелист Лука, сподвижник апостола Павла. Искусного художника принято считать первым иконописцем, Луке приписывают авторство многих образов. Один из них — Богоматерь, которая держит Младенца на коленях и указывает на него ладонью. Позднее этот тип стали называть Одигитрия. Другой образ — Богородица, нежно прижимающая к себе ребенка. Такой тип называют Елеуса, или Умиление.

Первые христианские иконы попали на Русь из Византии в XI–XII веках. Русские иконописцы перенимали византийские традиции и создавали списки, копии икон. Они могли немного отличаться от оригинала. Многие иконы называли по месту, где их особо почитали: например, Богоматерь Владимирская, Тихвинская, Иверская. На Руси также известны образы, названные эпитетами Богородицы: «Неопалимая Купина», «Всех скорбящих Радость» и другие. Иконы называли эпитетами из церковных и библейских текстов, например из хвалебных песнопений — акафистов.

Исторически сложились иконографические типы изображения Богородицы. Иконографией называют каноны: особенности композиции, характерные черты икон, атрибуты святых. Богоматерь изображали с Младенцем и одиночно, восседающую на троне и в полный рост, с разными жестами рук и положением головы.

На иконах, росписях и мозаиках Богородица предстает в традиционном облачении. Мафорий — длинное покрывало пурпурного или коричневого цвета — закрывает голову и плечи. Иконописцы украшали мафорий золотыми звездами и каймой. Туника, или хитон, надета снизу. На некоторых типах икон в руках Богородица держит омофор — широкую ленту ткани, обычно темно-красного цвета.

Богоматерь Оранта

Мозаичная икона Божией Матери «Нерушимая стена». Богоматерь Оранта. XI век. Собор Святой Софии, Киев, Украина. Иллюстрация из альбома «Собор Святой Софии». Киев: издательство «Мистецтво», 2001

Богоматерь Знамение (фрагмент). До 1169. Новгородский государственный объединенный музей-заповедник, Великий Новгород

Богоматерь Оранта. Первая половина XII века. Георгиевский собор Юрьева монастыря, Великий Новгород. Иллюстрация из книги Виктора Лазарева «Искусство Древней Руси. Мозаики и фрески». Москва: издательство «Искусство», 2000

Один из самых древних иконографических типов Богородицы — Оранта. Слово пришло из латинского языка, его можно перевести как «взывающая, молящаяся». Историк древнерусского искусства Никодим Кондаков отмечал, что первый иконописный образ Богоматери Оранты относится к концу IV века. Богоматерь изображали в позе заступнической молитвы: руки разведены в стороны и согнуты в локтях, ладони подняты на уровень лика и обращены к молящемуся. Образы встречаются в росписях и иконах византийских и русских храмов.

Самое известное древнерусское изображение Оранты находится в Софийском соборе в Киеве. Мозаику «Нерушимая стена» относят к XI веку. Эпитет в названии пришел из акафиста Богоматери — так называют хвалебное и благодарственное пение в церковной гимнографии. Богородица изображена на одной из стен собора, на золотом фоне в полный рост, с разведенными в стороны руками. Высота фигуры превышает пять метров. Царственный наряд состоит из пурпурного мафория, на нем — золотые звезды, на плечах и на лбу. Лицо Богородицы строго и печально. Мозаика выполнена из смальты — небольших пластин цветного непрозрачного стекла.

Другой образ, близкий по иконографии к Оранте, — икона «Знамение» из Великого Новгорода. Это поясное изображение Богородицы, ее руки подняты в молитве, а Младенец вписан в золотой круг на груди — медальон. По преданию, в XII веке чудотворная икона спасла Новгород от войск суздальцев во времена междоусобных войн. Когда воины подошли к городу, из глаз Богородицы на иконе потекли слезы. На вражеское войско напал страх и смятение, и город был спасен.

Богоматерь Елеуса

Богоматерь Умиление (Любятовская). Начало XV века. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Богоматерь Донская. 1390-е. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Богоматерь Владимирская. Первая треть XII. Храм святителя Николая в Толмачах, Москва

Распространенный в России тип икон Богородицы — Елеуса, что с греческого языка переводится как милующая, такие образы еще называют Умиление. На изображениях Богоматерь склоняется к Младенцу. Как правило, такие иконы — поясные, однако есть образы, где Богородица написана в полный рост. Изводы — варианты иконы — несколько отличались: Младенец обнимал Богородицу, прикасался к лицу или к одежде, его изображали на правой или на левой руке Богоматери.

К иконографическому типу Умиление относят самый древний из сохранившихся в России образов Богородицы — Владимирскую икону Божией Матери. Сегодня она хранится в домовой церкви при Третьяковской галерее — в музее-храме Святителя Николая в Толмачах. Согласно преданию, как раз ее написал христианский святой Лука. Предположительно, посланники из Константинополя в XII веке привезли икону на Русь, чтобы подарить киевскому князю. С образом связывают истории о чудесах, исцелениях и защите от вражеских войск. Во время нашествия монгольского завоевателя Тамерлана в конце XIV века икону перенесли из Владимира в Москву, чтобы она оберегала город. Неприятель отступил, что посчитали заступничеством Богородицы. Владимирскую икону за долгую историю неоднократно поновляли — части покрывали красочным слоем, от древней живописи сохранились лики Богородицы и Младенца.

К типу Елеусы относят Донскую икону Божией Матери XIV века. От других образов она отличается тем, как расположены ножки Младенца — они согнуты в коленях и стоят на руке Богоматери. Икона двусторонняя: на оборотной стороне изображено Успение Богородицы. Сегодня образ хранится в Государственной Третьяковской галерее.

Читайте также:

Богоматерь Одигитрия

Иверская Богоматерь. ХIХ век. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Богоматерь Одигитрия Смоленская. Конец XV — начало XVI века. Музей изобразительных искусств Республики Карелия, Петрозаводск

Казанская икона Богоматери. Вторая четверть XVII века. Центральный музей древнерусской культуры и искусства им. Андрея Рублева, Москва

Название Одигитрия, по одной из версий, связано с храмом вождей Одигона в Константинополе, в котором находилась икона. С греческого языка название переводится как указывающая путь, этот тип иконы еще называют Путеводительница.

В иконописи сложилось много изводов Одигитрии. По канону Богородица держит Младенца на руках, лицами они развернуты к молящимся, изображения строгие. Младенец одной рукой благословляет, в другой держит книгу или свиток — знак спасительного учения, которое принесет Христос. У образов обычно есть небольшие отличия в пределах канона: разные жесты рук, детали одежды. Некоторые из икон получили название по местам особого почитания или обретения образа, например Иверская, Казанская, Смоленская иконы Божией Матери.

Предположительно, первой на Руси Одигитрией стала Смоленская икона. В середине XI века ее привезла с собой из Константинополя дочь византийского императора царевна Анна, жена киевского князя Всеволода. По преданию, икона спасла Смоленск от нашествия хана Батыя. Богородица изображена по пояс с Младенцем, который держит свиток в левой руке и благословляет правой. Икона долгие годы находилась в Смоленске, во время оккупации города в годы Великой Отечественной войны она была утрачена. До наших дней дошли списки чудотворного образа.

Казанская икона Божией Матери — одна из самых почитаемых в России икон. По легенде, этот образ явился во сне девочке, жительнице Казани, в 1579 году: Богородица указала на пепелище после пожара. На этом месте нашли икону, затем ее перенесли в церковь. Образ украсили окладом с драгоценными камнями. В 1904 году икону выкрали из монастыря: похитителя поймали, он заявил, что сжег почитаемый образ. Многочисленные списки Казанской иконы прославились чудесами. Сохранились свидетельства об исцеления больных и слепых, о защите от врагов.

К типу Одигитрии относят Иверскую икону Божией Матери. У нее есть отличительная особенность: из раны на правой щеке Богородицы течет кровь. По преданию, рана возникла от оружия иконоборцев — воин проткнул икону копьем. Сегодня образ находится в Греции, в Иверском монастыре Афона. Известна легенда, как она попала на Афон. Образ хранился у благочестивой вдовы в городе Никее в Малой Азии, она хотела спасти его от иконоборцев и отпустила в море. Но вода не поглотила чудотворную икону, спустя два столетия он возник у Афона в луче света, где его обнаружили монахи.

Благовещение, Всемилостивая и Деисус

Благовещение. 1540-е. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Деисус (фрагмент). Середина XV века. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Андрей Лаврентьев и Иван Дерма Ярцев. Богоматерь с Младенцем на престоле (фрагмент). 1509. Собор Святой Софии, Великий Новгород

Согласно Библии, благую весть о том, что она станет матерью Спасителя, принес Марии ар­хан­гел Гав­ри­ил. Этот сюжет лег в основу многочисленных икон, мозаик и фресок — росписей на стенах. На Руси иконы Благовещения появились еще до нашествия монголо-татар. Сюжет трактовали по-разному: Марию изображали сидящей на троне, благая весть спускалась на нее как голубь в небесном луче — символ Святого Духа. В других вариантах писали архангела Гавриила в полный рост, он обращался к Богородице.

Другой иконографический тип Богородицы — Всемилостивая (Панахранта), он близок к типу Одигитрия. Богоматерь изображали на троне, ее одежды были богато украшены драгоценными камнями. Она предстает как Царица неба и земли, а на коленях держит младенца Христа. К этому типу относят иконы «Державная» и «Всецарица».

Распространены изображение Богоматери в деисусной композиции. Трехфигурный Деисус — это иконографический тип: Господь в центре, а по сторонам от него Богоматерь и Иоанн Предтеча. Богоматерь предстает с молитвенно сложенными руками, вполоборота к Христу, она протягивает к Спасителю руки в жесте молитвы. Фигуры писали в полный рост, поясные или погрудные, выбор композиции зависел от того, для какого иконостаса создавали икону.


Автор: Маргарита Ковынева

Город в цвете. Нижегородский фестиваль собрал уличных художников со всего мира: Регионы: Россия: Lenta.ru

Столица Поволжья — Нижний Новгород в год восьмисотлетия инициировал яркий во всех смыслах инфоповод — фестиваль уличного искусства «Место». Известные в мире стрит-арта художники разрисовывают дома Нижнего Новгорода и создают новые точки притяжения для жителей города и туристов. «Лента.ру» поговорила с участниками «Места», которые рассказали о том, как можно «перезагрузить» окружающую среду с помощью граффити.

Один из самых известных в России художников уличной волны — Дмитрий Аске, чьи работы продаются на аукционах за тысячи евро, своей творческой задачей определил исследование роли женщины и матери.

Дмитрий Аске: «Моя работа называется «Соль Земли». Я хотел бы привлечь внимание к роли женщины и матери — ключевой фигуре в жизни любого человека, так как рождение и воспитание детей закладывает фундамент будущего. Работа находится по адресу: улица Памирская, дом 8. Для меня очень важно, что творчество дает мне энергию и желание развиваться не только как художнику, но и как человеку в целом. Все, что я узнаю, читаю и смотрю, так или иначе влияет на мою работу. «Место» — один из главных фестивалей в России, где известные художники уже пятый год создают росписи и другие работы в городском пространстве. Даже в Москве или Петербурге сейчас ничего подобного не происходит. Росписи в городе добавляют новых впечатлений жителям и туристам. Я думаю, что Нижний Новгород — один из важных центров уличного искусства в стране из-за того, что здесь есть инициативные люди, которым оно не безразлично».

Фото: Елена Сигалева

«Нижний Новгород — важная точка на российский карте уличного искусства, — говорит уличный художник и куратор фестиваля «Место» Никита Nomerz. — Здесь сформировался пласт активных авторов с самобытным подходом к работе с улицей. Мы уже в пятый раз проводим «Место», он стал один из самых крупных стрит-арт фестивалей страны. В этом году у нас около 60 участников: это локальные авторы, художники с разных уголков России и несколько иностранцев».

Организаторы предусмотрели и образовательную часть — лекции и мастер-классы от известных уличных художников, а также выставки и экскурсии.

«В этом году фестиваль «Место» проходит в юбилейный пятый раз. Мы его с радостью поддерживаем, — отмечает заместитель председателя правительства Нижегородской области, министр культуры региона Олег Беркович. — Благодаря нашим талантливым и активным уличным художникам, которые организовывают этот фестиваль, Нижний Новгород занимает одно из лидирующих позиций по развитию стрит-арта в России. Уличное искусство не только украшает город, но и привлекает туристов. Специально для гостей города разработаны маршруты по объектам стрит-арта, создана интерактивная карта работ с прошлых лет фестиваля».

Юрий Аверин, художник «уличной волны», резидент арт-резиденции Jardin Rouge французского фонда Montresso рассказал о лестнице, ведущей вверх к развитию.

Юрий Аверин: «Моя работа на улице Мануфактурной, дом 7 — это абстрактная геометрическая композиция, в которой я обозначаю важные для себя элементы: ступени и лестницы, ведущие вверх к развитию. Когда мне выслали фото и адрес объекта, мне стало интересно изучить его историю. Для композиции я взял несколько важных фрагментов вида сверху Ярмарки, Оки, Волги и самого дома. Я рад, что у фестиваля «Место» есть команда профессионалов и куратор с огромным опытом и мощным вкусом. В Нижний Новгород приезжают мастера со всего мира и оставляют свою силу в городе для людей. Получается очень благостный взаимообмен знаниями и радостью. Я точно ощущаю, что стрит-арт меняет отношение к городу и сознание людей. Многие начинают включать мозг и уважительнее относиться к пространству».

Фото: Юлианна Гусева

«В городе могут уживаться историческое наследие и современное искусство, — говорит куратор направления Urban Art Фонда поддержки современного искусства «Винзавод», сооснователь биеннале уличного искусства «Артмоссфера» Сабина Чагина. — Я считаю, нужно эту практику вводить и всячески интегрировать стрит-арт на городские улицы. Потому что сейчас нас окружают в основном классические работы, а современное искусство по-прежнему спрятано в музеях, оно сложное для понимания. Мне кажется, формат демократизации искусства через презентацию его в общественном пространстве устранит этот большой разрыв между зрителем и произведениями».

Белорусский иллюстратор и график Дмитрий Каштальян работает в стиле, близком к пуантилизму или рисованию точками.

Дмитрий Каштальян: «Моя работа — это фантазия, совмещающая образы из «Алисы в стране чудес» и русских символов. Льюис Кэрол единственный раз в жизни ездил за границу, и это была поездка в Россию, во время которой он посещал и Нижний Новгород. В своих дневниках он описывает яркие впечатления от Нижегородской ярмарки, которая в те годы была крупнейшей в России. Фасад, на котором я рисую, находится рядом со зданием Ярмарки. Для Нижнего «Место» полезно тем, что в городской среде появляются высокохудожественные и грамотно интегрированные произведения современного искусства. Рисунки на стенах могут вдохновлять жителей, поднимать им настроение и давать немного ярких красок и добрых эмоций совершенно бесплатно. Приведу пример. Я расписывал фасад в Турине и узнал, что рядом со стеной раньше встречались наркоманы и наркоторговцы. После реставрации фасада и его росписи ситуация поменялась. Теперь там с удовольствием проводят время местные жители, и мамы с колясками теперь там не редкость».

Фото: Юлианна Гусева

«История и современность неразрывно связаны, а наследие — это платформа для развития будущих поколений, — говорит художник-урбанист, создатель технологии urban-фреска Олег Лукьянов. — Современное искусство обречено превратиться в исторический пласт. Соседство наследия и современности дает нам старт в новое будущее! В городах с большой историей живут люди с актуальным стилем жизни и с жаждой собственного развития. А развитие и привнесение в жизнь нового может дать нам именно современное искусство, которое ломает старые шаблоны восприятия мира. Не вижу смысла в «консервации» городов. Тем более, не хотелось бы консервировать мерзости запустения, которых, например, предостаточно в Санкт-Петербурге».

Художник Роман Мураткин придумал свой собственный стиль — «неодеформизм», который определил как творческую переработку пропорций изображаемых объектов ради пластического изменения среды, с которой работает мастер.

Роман Мураткин: «Моя работа расположена в старой части города на улице Суетинской, дом 10. На первый взгляд, это ничем не примечательная пятиэтажка, но на ее плитах видное место занимала мозаика, которая сейчас скрыта от глаз утепленным фасадом. С организаторами фестиваля «Место» мы решили продолжить историю с сюжетом мозаики и изобразить на новой поверхности два панно на похожую тему — речной мотив и парусники. Меня вдохновляет искусство разных эпох, но также непонятные и порой абсурдные жизненные ситуации. Фестиваль «Место» притягивает любителей уличного искусства и способствует развитию туризма и новых туристических маршрутов в Нижнем Новгороде. Дома из прошлого века, деревянное зодчество, которого остается все меньше — такие места расписывают художники и привносят в среду новую жизнь».

Фото: Елена Сигалева

«Для гармоничного сосуществования объектов современного искусства и исторического наследия нужна экспертиза и специалисты, — говорит Сабина Чагина. — У вас в квартире легко могут соседствовать антикварный комод и мебель из «Икеи», никому это не мозолит глаза. Сейчас время эклектики, можно сочетать совершенно несочетаемые вещи и при этом найти этому обоснование. Я прекрасно знаю фестиваль «Место», хотя никогда не бывала в Нижнем Новгороде в дни фестиваля. В России региональных фестивалей уличного искусства так мало, что те немногие проекты, которые могут сохранить художественное высказывание, я поддерживаю».

В своих уличных работах Степан и Алина отражают мифологический мир уральских поверий и легенд, миксуют этнические орнаменты с фантастическими животными.

Фото: Юлианна Гусева

Тандем «Айфо»: «Наша работа встречает всех, кто приезжает в Нижний Новгород на поезде, и поднимает им настроение. Мы создаем тотемы, задача которых — охранять город. Но нужно делать это с помощью позитивного посыла, который исходит от нас как художников. Нас вдохновляет среда: творчество коллег, истории людей. В своих работах мы часто используем элементы архитектуры, орнаментов, растений и животных, ищем идеи в мифах и легендах. Фестиваль «Место» делает пространство дружелюбнее. Благодаря присутствию искусства в городской среде здесь хочется проводить больше времени. Я бы точно рекомендовал Нижний Новгород как место, куда можно приехать и посмотреть, как выглядит срез актуального уличного искусства наших дней. Хочется пожелать организаторам и городу стать важной точкой именно мирового стрит-арта. У «Места» точно есть такой потенциал».

«В Нижнем Новгороде многие локальные авторы работают с заброшенными каменными и деревянными домами, это стало своеобразным почерком, — говорит Никита Nomerz. — Такие работы пропитаны историей места, а темы часто связаны с контекстом или обращают внимание на проблему исчезновения архитектурного наследия. Через такие произведения современного искусства можно изучать город и погружаться в его прошлое».

Быстрая доставка новостей — в «Ленте дня» в Telegram

Театр оперы и балета лишится росписи купола и «вульгарной» расцветки партера

Журналистам рассказали о ходе ремонта в историческом здании театра и о том, как изменится его интерьер.


Окончание ремонтных работ в историческом здании Саратовского театра оперы и балета снова оказывается под угрозой срыва. Об этом сообщили участники состоявшейся сегодня пресс-конференции.

«Мы столкнулись с целым рядом сложностей, которые требуют продуманного решения. Заказчик принимает довольно серьёзное решение, которое, думаю, до конца сентября найдёт своё отражение в реальных действиях. Мы сделаем все, чтобы контрактные сроки остались неизменными», — проинформировал замминистра культуры области Владимир Баркетов.

По его словам, речь идет о сохранности силовых элементов, которые влияют на устойчивость здания.

«Мнения специалистов разделились, и нужно авторитетное экспертное мнение, чтобы принять единственно верное решение. Подрядная организация направила заказчику письмо о приостановке работ», — отметил Владимир Баркетов.

После ремонта частично изменится интерьер театра, и, в частности — выполненная в 90-е годы без участия руководства оперного роспись потолка. Купол распишут заново в соответствии с эскизами архитектора исторического здания театра.

«Нас всех не устраивала роспись потолка в этом здании. Я, когда пришёл в этот театр, в ужас пришел. Художники дали новый проект росписи потолка в стиле монументального реализма. Это стало похоже на дворец культуры. Сейчас мы решили вернуться к первоначальному проекту 1956 года. Он должен отвечать интерьеру, выполненному в классическом стиле середины девятнадцатого века. Зрительный зал будет освобожден от тяжеловесных монументальных росписей, которые были. Так что, я думаю, интерьер будет существенно улучшен», — подчеркнул худрук театра оперы и балета Юрий Кочнев. Изменится и «вульгарная» красная расцветка, ранее доминировавшая в зрительном зале.

«Роспись купола не является предметом охраны», — добавил директор театра Алексей Комаров. Однако чиновник заверил, что охраняемая законом «Голубая гостиная» останется в неизменном виде.

Болезненным для учреждения культуры вопросом продолжает оставаться плачевное состояние пешеходного перехода на 2-й Дачной.

«К сожалению, мы не можем сделать это за счет театра», — сказал Алексей Комаров.

Завод «Тантал», которому принадлежит подземный переход, находится в состоянии банкротства, поэтому проведение ремонта на бюджетные деньги может быть признано нецелевым расходованием средств. В этой связи идеальным вариантом стала бы спонсорская помощь. В настоящий момент соответствующее обращение о необходимости приведения в надлежащее состояние подземного перехода направлено главе Саратова Михаилу Исаеву.
Фото: Ирина Романова

Автор Екатерина Вельт


Подпишись на ВКонтакте:
 там публикуются самые интересные новости!

10 самых известных картин: шедевры, которые мы все знаем и любим

Написано Форрестом Брауном, CNN

Каждый год произведения искусства на миллиарды долларов проходят через международные аукционные дома, а в ведущих музеях хранятся десятки тысяч или даже сотни тысяч — произведений искусства в своих коллекциях. Но немногие драгоценные люди когда-либо достигают славы, необходимой для того, чтобы по-настоящему считаться именами, известными каждой семье.

Поскольку «знаменитый» — это субъективный термин, CNN Style обратилась к Google, чтобы узнать, какие картины возглавляли результаты поиска по всему миру за последние пять лет.Мы сравнили десятки популярных шедевров — от классики, такой как «Мона Лиза», «Большая волна у Канагавы» и «Салаватор Мунди», до более современных произведений, таких как «Ночные ястребы» и даже серии «Собаки, играющие в покер».

Основываясь на этих результатах, мы составили 10 картин, которые чаще всего ищут в мире:

1. «Мона Лиза»

Если у вас были какие-либо сомнения по поводу бешеной популярности «Моны Лизы», толпы в Лувре будут убедить вас. Кредит: Эрик Феферберг / AFP / Getty Images

Художник: Леонардо да Винчи
Предполагаемая дата: с 1503 по 1519
Где это можно увидеть: Лувр (Париж)

Неудивительно, что самый известный Картина в мире — таинственная женщина с загадочной улыбкой.Но это одно из немногих фактов об этом произведении искусства.

Считается, что натурщиком на картине является Лиза Герардини, жена флорентийского купца Франческо дель Джокондо, но эксперты не уверены. Это действительно нововведение в искусстве — картина является самым ранним известным итальянским портретом, который, по данным Лувра, так близко сосредоточен на натурщице в поясном портрете, был впервые установлен в 1804 году. Знаете ли вы? Историки говорят, что до 20 века «Мона Лиза» была мало известна за пределами художественных кругов.Но в 1911 году бывший сотрудник Лувра украл портрет и два года прятал его. Эта кража с тех пор помогла картине закрепиться в популярной культуре и познакомила миллионы людей с искусством эпохи Возрождения.

2. «Тайная вечеря»

Посетители фотографируют «Тайную вечерю» («Il Cenacolo или L’Ultima Cena») в монастыре Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, Италия. Предоставлено: Мигель Медина / AFP / Getty Images

Художник: Леонардо да Винчи
Предполагаемая дата: с 1495 по 1498
Где это можно увидеть: Санта-Мария-делле-Грацие (Милан, Италия)

Леонардо, оригинал эпохи Возрождения Человек «- единственный художник, дважды фигурирующий в этом списке.

Написанная в эпоху, когда религиозные образы все еще были доминирующей художественной темой, «Тайная вечеря» изображает последний раз, когда Иисус преломлял хлеб со своими учениками перед распятием.

Картина на самом деле представляет собой огромную фреску — 4,6 метра (15 футов) в высоту и 8,8 метра (28,9 футов) в ширину, что делает просмотр незабываемым.

Знаете ли вы? Фреска пережила две угрозы военного времени — войска Наполеона использовали стену трапезной, на которой была написана фреска, в качестве учебной стрельбы.Он также находился в воздухе в течение нескольких лет, когда бомбежка во время Второй мировой войны разрушила крышу доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие в Милане.

3. «Звездная ночь»

Туристы смотрят на «Звездную ночь» Винсента Ван Гога в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Предоставлено: Виктор Фрайле Родригес / Корбис / Getty Images

Художник: Винсент Ван Гог
Дата: 1889
Где это можно увидеть: Музей современного искусства (Нью-Йорк)

Сравнительно абстрактная картина является отличительным примером новаторского и смелого использования Ван Гогом толстых мазков.Яркие синие и желтые цвета картины и мечтательная кружащаяся атмосфера интриговали ценителей искусства на протяжении десятилетий.

Знаете ли вы? Ван Гог жил в приюте в Сен-Реми, Франция, лечился от психического заболевания, когда написал «Звездную ночь». Его вдохновил вид из окна его комнаты.

4. «Крик»

«Крик» Эдварда Мунка установлен для специальной выставки в Токийском Метрополитен-музее.Предоставлено: The Asahi Shimbun / Getty Images

Художник: Эдвард Мунк
Дата: 1893
Где это можно увидеть: Национальный музей (Осло, Норвегия — открытие в 2020 году) и Музей Мунка (Осло — до мая. 2020) Обо всем по порядку — «Крик» — это не отдельное произведение искусства. Согласно блогу Британского музея, есть две картины, две пастели и неопределенное количество гравюр. Картины хранятся в Национальном музее и Музее Мунка, а в 2012 году одна из пастелей была продана на аукционе почти за 120 миллионов долларов.

Как и в случае с «Моной Лизой», дерзкие кражи (1994 и 2004 гг.) Двух версий картины «Крик» помогли повысить осведомленность публики о произведениях искусства. (Оба в итоге были найдены).

Знаете ли вы? Андрогинная фигура на переднем плане картины в стиле модерн не кричит, а пытается заглушить пронзительный крик природы. Он был вдохновлен реальным опытом, который получил Мунк во время прогулки на закате в Осло, когда драматический красный оттенок захлестнул его чувства.

5. «Герника»

Вид на «Гернику» Пабло Пикассо в музее королевы Софии в Мадриде, Испания. Предоставлено: Денис Дойл / Getty Images

Художник: Пабло Пикассо
Дата: 1937
Где это можно увидеть: Museo Reina Sofía (Madrid)

Это самая последняя картина в этом списке, и она изображает немца. воздушная бомбардировка города Герника в регионе Басков во время гражданской войны в Испании.

Картина выполнена в характерном стиле Пикассо, и ее неуклонное исследование ужасов войны сделало ее неотъемлемой частью культуры и истории 20-го века.

Знаете ли вы? «Герника» была перевезена на хранение в Метрополитен-музей современного искусства в Нью-Йорке во время Второй мировой войны. Пикассо потребовал продлить срок пребывания до тех пор, пока в Испанию не вернется демократия. Наконец, он вернулся в Мадрид в 1981 году, через шесть лет после смерти давнего испанского диктатора генерала Франсиско Франко.

6. «Поцелуй»

Посетители восхищаются «Поцелуем» Густава Климта в Верхнем Бельведере в Вене, Австрия. Предоставлено: Омар Маркес / Агентство Анадолу / Getty Imagesges

Художник: Густав Климт
Предполагаемая дата: с 1907 по 1908 год
Где это можно увидеть: Музей Верхнего Бельведера (Вена, Австрия)

С No.6, мы переходим от исследования ненависти к исследованию любви к любимому «Поцелуй» Густава Климта.

Из «Золотого периода» Климта, византийское художественное влияние можно увидеть в очень декоративных одеждах , которые носит страстная пара в натуральную величину. Верхний Бельведер говорит, что в «Поцелуй» Климт делает «общее аллегорическое заявление о люблю быть в центре человеческого существования «. Учитывая его магнетическую привлекательность, люди, кажется, соглашаются.

Знаете ли вы? Пока «Поцелуй» не выставлен на продажу, другие работы Климта покупаются и продаются за огромные суммы.Опра Уинфри продала картину 1907 года «Портрет Адели Блох-Бауэр II» за 150 миллионов долларов в 2016 году — с крутой прибылью в 60 миллионов долларов.

7. «Девушка с жемчужной сережкой»

Журналист фотографирует «Девушку с жемчужной сережкой» Иоганна Вермеера в музее Маурицхейс в Гааге, Нидерланды. Кредит: Мишель Порро / Getty Images

Художник: Йоханнес Вермеер
Предполагаемая дата: 1665
Где это увидеть: Маурицхейс (Гаага, Нидерланды) Этого интригующего фаворита часто сравнивают с «Моной Лизой».«Помимо стилистических различий, технически« Девушка с жемчужной сережкой »- это даже не портрет, а« tronie »- голландское слово, обозначающее картину воображаемой фигуры с преувеличенными чертами.

Шедевр холста, масло великолепен в своей простоте. Девушка в сине-золотом тюрбане и огромной жемчужной серьге — это весь центр внимания, за ее спиной только темный фон.

Знаете ли вы? «Девушка с жемчужной сережкой» гастролировала по США, Италии и Японии.Он собирал огромные толпы, что еще больше укрепило его статус одного из самых известных произведений искусства в мире.

8. «Рождение Венеры»

Журналист исследует «Рождение Венеры» итальянского художника Сандро Боттичелли во время пресс-показа в галерее Уффици во Флоренции, Италия, в октябре 2016 года. Фото: Альберто Пиццоли / AFP / Getty Images

Художник: Сандро Боттичелли
Ориентировочная дата: 1485
Где это можно увидеть: Le Gallerie Degli Uffizi (Флоренция, Италия) Самая старая картина в десятке лучших, по большей части конкурирующая с «Поцелуем» чувственный, «Рождение Венеры», вероятно, был заказан членом богатой и любящей искусство семьи Медичи, которая веками правила Флоренцией и близлежащими районами.

Соединив возобновившийся интерес к классической греческой культуре со стилем раннего Возрождения, Боттичелли создает незабываемую фигуру с Богиней Любви, появляющейся из огромной раковины морского гребешка.

Знаете ли вы? «Венера» Боттичелли имеет два существенных отличия от большинства других работ его современников. Во-первых, он писал на холсте, а не на более популярном дереве. Во-вторых, в то время нагота была редкостью — так что было смело, что Венера полностью обнажена без ее длинных распущенных волос и руки (едва), прикрывающей самые интимные части ее тела.

9. «Менины»

«Менины» Диего Веласкеса в музее Прадо 19 ноября 2013 г. в Мадриде, Испания. Кредит: Денис Дойл / Getty Images

Художник: Диего Веласкес
Дата: 1656
Где это можно увидеть: Museo del Prado (Мадрид)

Мадрид — единственный город в этом обзоре, где вы найдете два из 10 самых известных картин, первая из которых «Герника» в № 5 и «Лас Манинас» здесь, в № 9.

Расположенный в популярном (и огромном) Прадо, «Лас Менинас» — это не только самая большая картина Диего Веласкеса. знаменитая картина, это также одна из его самых больших картин.Сложность работы веками восхищала искусствоведов и публику.

Картина выполняет двойную функцию портрета. Он служит групповым портретом испанской королевской семьи, но это также автопортрет самого Веласкеса за работой (слева).

Знаете ли вы? «Лас Менинас» был заказан королем Испании Филиппом IV, правившим с 1621 по 1665 год. Он оставался в королевском дворце до 1819 года, когда перешел к Прадо.

10. «Сотворение Адама»

«Сотворение Адама» на потолке Сикстинской капеллы в Ватикане завершает список 10 самых известных картин.Предоставлено: VCG / Corbis / Getty Images

Художник: Микеланджело
Дата: 1508-1512
Где это можно увидеть: Сикстинская капелла (Ватикан)

Самая известная работа известного художника Микеланджело охватывает часть Потолок Сикстинской капеллы — чтобы увидеть его, нужно посмотреть вверх. Сцена изображает Бога и Адама с протянутыми руками, их пальцы почти соприкасаются. Это одно из самых тиражируемых изображений в истории.

Мускулистая форма Адама намекает на другой талант Микеланджело — его «Давид», возможно, самая известная скульптура в мире.Вы можете увидеть высокую мраморную статую в Галерее Академии во Флоренции.

Знаете ли вы? Потолок Сикстинской капеллы потускнел из-за многовекового воздействия дыма свечей и многого другого. После долгой и тщательной уборки, закончившейся в 1989 году, люди были потрясены, увидев яркие, живые цвета, которые изначально использовал Микеланджело.

Еще пять картин, которые подошли близко

Вот еще пять известных картин, которые были близки к тому, чтобы войти в топ-10:

  • «Американская готика» (Грант Вуд, Институт искусств Чикаго)
  • » Кувшинки »серия (Клод Моне, различные музеи мира)
  • « Постоянство памяти » (Сальвадор Дали, Музей современного искусства в Нью-Йорке)
  • « Ночной дозор » (Рембрандт, Рейксмузеум) в Амстердаме)
  • «Сад земных наслаждений» (Иероним Босх, Музей Прадо, Мадрид)

Картины маслом | Allartclassic

Картины маслом

Настоящая ручная роспись маслом на холсте по разумной цене
Мы предлагаем подлинные, полностью расписанные вручную копии произведений искусства.
Как и старый Мастер, наш художник начинает с наброска карандашом на холсте, а затем добавляет все детали, используя точные мазки и текстуру краски, передавая суть и дух оригинальной масляной живописи.

Поиск исполнителей в алфавитном порядке по именам

Чтобы найти конкретного исполнителя, выберите первую букву его фамилии

Картины, отсортированные по тематике

Найдите свою картину из этих популярных жанров искусства или выберите в разделе «Все темы».

Пейзажи

Школа реки Гудзон, барокко и современность, горы, морской пейзаж, городской пейзаж

Натюрморт

Цветы и натюрморты, от Снайдера до Сезанна и Ренуара

Животные и охота

Конные работы избранных ведущих художников — Рубенса, Стаббса, Хейвуда Харди и других

Фигуративная живопись

Представленное искусство от художников раннего Возрождения Веронезе и Рафаэля до Пикассо и Дали

Фигурки Композиции

Большие многофигурные полотна таких художников, как Рубенс, Рембрандт, Дега и др.

Морской пейзаж

Выберите свой любимый морской пейзаж от художников Айвазовского, Тернера и других

Цветочная живопись

Цветы всех стилей.Избранные художники Renoir, Van Gogh, Heade

Горы и леса

Лучшие исполнители в этом разделе — Томас Моран, Бирштадт, Фредерик Черч

Известные произведения искусства и художники

В этом каталоге можно найти любые произведения искусства, зарегистрированные в государственных коллекциях и музеях.Кроме того, каталог также содержит статьи из книг и альбомов, хранящихся в базе данных Allartclassic.
Если интересующая вас картина или художник не представлены в разделе «Все известные художники» или свяжитесь с нами, и мы будем рады помочь.

По вашему запросу мы сделаем вашу репродукцию старинной , потрескав поверхность картины маслом для абсолютного сходства с оригиналом (по желанию).

Также можно заказать портреты маслом по фото — качественные, ручная работа.Семейные и домашние портреты.

Оригинальное современное искусство

В разделе оригинальных произведений искусства представлен широкий спектр работ различных современных художников акриловыми красками и маслом, которые экспонируются в галереях Парижа.

Как мы красим

Посетите официальную страницу Allartclassic на Youtube. Посмотрите последние работы и способы их создания, а также подробное видео о процессе рисования.

Рекомендуемое видео — Да Винчи Мона Лиза

Живопись Каналетто

Возвращение Бучинторо

Pierre Auguste Детская кроватка

Весь процесс окраски

Педер Морк Монстед

Пейзажи

Рембрандт Картина

Буря

Микеланджело Живопись

Большие холсты

Тони Сопрано с лошадью

Индивидуальные заказы

Портретная живопись

Портрет по фото

Покраска поэтапно

В галерее

Allartclassic представлена ​​лучшая коллекция изобразительного искусства мира! Более 850 великих художников и тысячи картин выставлены на продажу.
Узнайте о творческой жизни старых мастеров, а также об оригинальном искусстве современных художников. Это также место, где различные современные художники могут познакомиться, выставляя свои работы.
Наши репродукции расписаны вручную, полноцветны и выполнены с высочайшим качеством. Следите за каждым этапом процесса покраски .

Почему классические и современные картины выглядят так по-разному

Фотографии любезно предоставлены Художественной библиотекой Бриджмена

В ноябре Джон Э.Бьюкенен-младший, исполнительный директор Художественного музея Портленда (Орегон), пригласил Роберта Гамблина прочитать публичную лекцию о том, ПОЧЕМУ классические картины отличаются от картин импрессионистов. Это текст его лекции и иллюстрации, которые подчеркивают замечательную группу картин французского барокко, представленных на выставке «Триумф французской живописи» в Портлендском художественном музее осенью 2003 года.

Почему классическая и современная живопись выглядят по-разному ?

Чтобы ответить на этот вопрос, я хотел бы обсудить с вами

  • разницу между непрямыми и прямыми методами рисования
  • эволюция цветов художников
  • роль художника как создателя нашей культурная память

Клод Лоррен и Клод Моне предлагают хорошие примеры двух основных стилей живописи: непрямого и прямого рисования.

Структура картины: прямое против косвенного

Классический подход к рисованию называется косвенным, потому что то, что вы видите, представляет собой комбинацию трех или более слоев картины. Зритель видит все три слоя одновременно в разных частях картины. Художник тщательно планирует наслоение для создания определенных визуальных эффектов.

Посмотрите на диаграмму, которую я нарисовал, чтобы она имела смысл. Здесь мы смотрим на картину сбоку.

  • Холст находится внизу
  • Белая земля наверху холста
  • Фактические слои краски на земле.

Первый слой, называемый имприматурой, накладывается на изображение, нанесенное на землю.

Тонкая «растирка» масляного цвета устанавливает средний тон картины. Часто художники используют темный прозрачный цвет, например жженую сиену, наносимую на белую землю, чтобы поверхность картины казалась мягко блестящей.

Если бы художник применил темный непрозрачный слой вместо прозрачного, темный цвет поглотил бы весь свет, поэтому картина будет выглядеть очень плоской.Вы можете видеть, что мой луч света проходит через этот слой до земли.

Следующий слой, который применяет художник, — непрозрачный. На этом слое он / она рисует большинство человеческих форм и другие элементы, чтобы создать историю и придать картине ее повествовательный характер. Некоторые художники, особенно Рембрандт, рисовали этот слой как слой импасто — слой, созданный толстым слоем масляной краски.

Третий слой может быть одним или несколькими слоями прозрачных глазурей. Слои глазури используются для

  • унификации цвета света
  • управления интенсивностью света
  • нажимных форм и элементов для создания ощущения трехмерного пространства.

Глазури добавляют объем благодаря своей прозрачности. Во времена Клода Лоррена художники создавали прозрачность, добавляя к своим краскам среды для рисования, чтобы раздвигать частицы пигментов. Сегодня художники могут использовать прозрачные пигменты для создания того же эффекта.

На схеме глазури красные.

Вы можете видеть, что световые лучи отражаются сразу от непрозрачного слоя, но проходят сквозь слой прозрачной глазури. Свет интересно взаимодействует с глазурью.ОНО СВЕТИТ ИХ СЗАДИ.

Свет распространяется внутри поверхности картины. Затем свет окрашивается глазурью, возвращаясь в глаз. Применение большого количества глазури делает картины темнее, потому что очень много света задерживается внутри красочной пленки. Вы можете видеть, что на этой диаграмме есть четыре световых луча, которые показывают четыре способа взаимодействия света с поверхностью. Рембрандт — мастер непрямого наслоения цвета.

Вы можете видеть

  • имприматура на заднем плане
  • непрозрачная окраска форм
  • остекление более или менее по всем формам, придавая формам объем.

Многослойная глазурь может усилить ощущение драматизма, как на этой картине Мастера свечей «Св. Себастьян, о котором заботится Ирэн »- драма повествования усиливается этой затемненной сценой, поэтому напряжение усиливается в темноте. Художник достигает этого эффекта, используя прозрачность, позволяющую свету проникать глубоко внутрь картины. Эффект свечения картины достигается за счет мягкого выхода света.
Сотни лет, вплоть до импрессионистов, художники создавали свои картины именно таким образом, используя примерно одну и ту же палитру цветов, рассказывая одни и те же истории.Их гений определялся уникальными способами преобразования художественных материалов в повествования, рассказывающие нам наши истории.

Прямая живопись

Импрессионисты первыми применили прямую живопись.

Большинство цветов старых мастеров были прозрачными, большинство цветов импрессионистов были непрозрачными. Смотрите схему, прозрачных слоев нет.

Вот деталь непрозрачной поверхности с сильно нанесенными слоями краски Impasto.Все лучи света отражаются от поверхности. Ни один свет не проникает в слои. Свет, который вы видите, цвет, который вы видите, исходит прямо от поверхности. Художник, возможно, нанес еще несколько слоев, но все предыдущие работы скрыты. Возможно, на поверхности видна только текстура нижних слоев.

Вот несколько примеров прямой живописи:

Это картина Моне на пляже. Если бы вы могли видеть это внимательно, на поверхности прилипло много песка.

Сравните это произведение Моне с произведением Шале «Богородица с младенцем в тюрьме». Я думаю, разница в том, как свет взаимодействует с поверхностью, очевидна. Его принимают и возвращают только часть. Другой отражает свет со всей поверхности.

Импрессионисты перенесли свои яркие непрозрачные краски в пейзаж. Эта структура прямого рисования — единственная, которая хорошо работает для создания наружного света, потому что мир природы характеризуется светом, заливающим пейзаж.Чтобы создать картину, которая создает это ощущение заливающего света, художник должен убедиться, что много света отражается прямо на зрителя.

Они делают это, используя непрозрачные цвета с яркостью, которые отражают свет сразу от поверхности, не позволяя свету проникать в структуру и поглощаться пленкой краски. Таким образом достигается ощущение яркости от фактической яркости.

Моя личная работа направлена ​​на достижение тех же целей. Вот несколько примеров. Большинство из них было написано здесь, в долине Уилламетт.

Доступная палитра цветов

Теперь давайте посмотрим на цвета, которые сформировали их палитры. Классический художник использовал совсем другую цветовую гамму, чем импрессионисты.

Художники создают картины не менее 30 000 лет. В истории пигментации всего три периода.

Первый период начинается 30 000 лет назад и достигает 1700 г. в начале промышленной революции. Этот период истории искусства характеризуется использованием пигментов, которые в основном были найдены в земле: пигменты из земли, такие как сиена, умбра, железное красное, или цвета из камней: ляпис, малахит, азурит или натуральные органические вещества, такие как ягоды, соки, сок насекомых, сок растений.

Большинство использованных цветов были земными. Но такой преуспевающий художник, как Ван Эйк, живший в торговом центре, таком как Брюгге, имел доступ к более ярким материалам.

Затем Промышленная революция с 1700 по 1900 год дала полную палитру цветов, которые были получены путем сплавления металлов вместе при высокой температуре для создания смешанных оксидов металлов из кобальта, марганца, железа, кадмия, свинца и других.

Все картины на выставке «Триумф французской живописи» написаны красками первого периода; импрессионисты использовали краски второго периода.

Для тех из вас, кому интересно, третьим периодом был 20 век, который дал нам полную палитру современных органических красителей: например, хинакридон, фтало, нафтол. Слева представлена ​​цветовая диаграмма всех доступных сегодня цветов.

Здесь цвета земли первого периода, цвета промышленной революции. Здесь присутствуют современные органические цвета 20 века.

А вот и картины моего учителя Вольфа Кана, который рисует пейзаж, но использует много цветов 20 века.

Это был краткий обзор истории пигментов, теперь давайте подробнее остановимся на этом.

Ниже приведены две картины, на которых изображены палитры художников. Интересно, что они имеют почти одинаковые цвета на палитре.

Белый, несколько землистых цветов и красный. Ни синего, ни зеленого, ни фиолетового, ни синего, ни зеленого, ни фиолетового на картинах.

Итак, вот группа цветов, распространенных с классического периода: охра, умбра, сиена, terre verte, черная слоновая кость, свинцово-белый, смальта, вердигр, киноварь, розовая марена.Сравните их с цветами на палитре этой картины, и вы увидите большинство тех же цветов. Но я хочу, чтобы вы заметили, что здесь много приглушенных цветов и мало ярких цветов.

Вот еще одно из шоу, чтобы еще раз проиллюстрировать их использование цвета: повествование представлено в значении с использованием приглушенных цветов; яркие цвета, используемые для драматического эффекта.

Импрессионистам повезло, что цвета, необходимые для создания света природного мира, и их желание сделать это возникли одновременно.До середины 19 века пигменты были недоступны для импрессионистов. У них было бы свое художественное видение, но не было бы инструментов для воплощения своих идей в жизнь. К 1860-75 гг. Для промышленности был разработан полный спектр непрозрачных, светостойких цветов, которые начали использовать художники. Это интересный переход. На первом этапе истории пигмента художники или их ученики изготавливали большую часть материалов в студии. Пигменты покупались в аптеке, а краску превращали в мастерскую.К середине 19 века промышленность создала новые пигменты в больших количествах, которые впервые были использованы в промышленности. И эти пигменты также делались небольшими производителями в художественные краски. Это источник нашего бизнеса.

Обратите внимание на набор образцов базовой палитры импрессионистов. Имеется достаточно чистых цветов, поэтому я могу теперь сделать цветовое колесо из цветов с регулярными шагами вокруг этого цветового круга. Все цвета насыщенные, за исключением желтой охры.Импрессионисты выбросили все земные цвета, кроме желтой охры. Его оставили, потому что он был слишком ценным. Это был цвет дороги, пляжа или деревенских стен.

Ценность этой палитры — наличие чистых цветов на регулярных шагах по цветовому кругу, поэтому художники могут иметь доступ к большому количеству цветового пространства. И это то, что требуется, чтобы нарисовать все возможные ситуации освещения. Дополнительным преимуществом этих ярких минеральных красок является то, что они теряют интенсивность своего цвета при смешивании с другими цветами.Минеральные цвета легко переходят в цвета природного мира. Свет мира имеет как приглушенный, так и насыщенный цвет.

Как показано на этой картине Моне, поле маков, насыщенные маки, приглушенные травы, прекрасное воссоздание света позднего лета.

Использование цвета, драматическое против научного, против физиологического

Следующее различие, которое следует учитывать, — КАК художники использовали свои цвета.

Повествование в классической живописи изображается прежде всего в ценностях.Эффект обычно достигается при помощи приглушенных цветов. Посмотрите на этого Леонардо слева. Нет цветов, только приглушенные цвета. Тело святого Иоанна выкрашено в белый цвет, а все остальное — в земляные цвета. И это тело было залито прозрачными земными красками.

Земляные цвета были основной палитрой для большинства художников, которые затем прибегали к более ярким цветам, если они у них были, чтобы нести драматический эффект. Экстравагантное использование Ван Эйком очень дорогого киноваря демонстрирует статус и богатство этого предмета.Они думают, что это может быть автопортрет, который он написал для продвижения своего бизнеса портретной живописи.

«Поклонение волхвов» выглядит как сцена прямо из драматического спектакля. Персонажи, одетые в яркие одежды, несут в себе драматический элемент. Представьте, что все они раскрашены землистыми красками, драматичность сильно уменьшится. Светящийся красный цвет спящей Венеры усиливает зрение. Я уверен, что художники того времени интуитивно знали то, что доказали современные ученые: взгляд на красный заставляет сердце биться немного быстрее.

Художник создал полупрозрачное свечение в определенных частях тела. Его получают путем тщательного смешивания и нанесения как прозрачных, так и непрозрачных цветов, чтобы свет немного проникал на поверхность, а затем возвращался обратно. Сочетание этой интенсивности с тенью усиливает эффект.

Еще одно использование цвета в классические времена — это просто хвастовство.

В «Святой Анне, ведущей деву в храм» (которая также присутствует в шоу), использование Ультрамаринового синего, кажется, является причиной написания картины.Ультрамарин синий, сделанный из лазурита, — самый дорогой пигмент из когда-либо созданных. Когда покровитель просил использовать синий ультрамарин в картине, в контракте указывалось, где он будет использоваться и сколько денег будет доступно для покупки пигмента. Мне эта работа кажется символом статуса.

Цвет также использовался символически. Пуссен одел Деву Марию в синее. Почему Иосиф в желтом, я не знаю, за исключением, возможно, визуального эффекта, чтобы отвлечь ваш взгляд от лодки на фигуры в облаках.

С другой стороны, как я уже упоминал, живопись импрессионистов использовала цвет для изображения всего спектра световых эффектов природного мира.

Я постоянно возвращаюсь к Моне, потому что его достижение поразительно. Когда мне было 20 и я был слишком крут, как может быть двадцатилетним, я любил импрессионизм, но мало думал о Моне. Поскольку массам больше всего нравился Моне, я подумал, что они, должно быть, ошибались. Но теперь, когда я стал намного менее крутым, чем был в 25 лет, я трепещу перед его достижениями.

Интересным дополнением к истории его серии о тополях является то, что он начал их рисовать, а затем узнал, что деревья должны быть проданы с аукциона для вырубки. Моне пошел в одну из лесозаготовительных компаний, торгующих деревьями. Он спросил владельца, сколько он готов заплатить за деревья, а затем гарантировал, что заплатит ему столько, сколько он должен заплатить сверх той суммы, которая была необходима для победы в торгах. Мужчина выиграл тендер, Моне заплатил дополнительную сумму, и он смог завершить свою серию до того, как они были сокращены.Но опять же, они иллюстрируют интерес импрессионистов к использованию цвета для исследования света мира во всех его вариациях.

Вот еще один эффект естественного света, Ренуар слева, Моне справа, оба рисуют летний свет пятнистым оттенком

Здесь снова Моне, рисующий бурный день на пляже и из его чудесного Лондона серия, рисующая Темзу, мосты, здания парламента и невероятный лондонский туман начала 1900-х

Намерение художников, роль искусства в жизни

Последняя тема, которую я хочу обсудить, — это разница в намерение между художниками, работавшими в классической традиции, и современными художниками.Роль живописи в обществе кардинально изменилась с 17 века! Поэтому, чтобы оценить их работу, я думаю, мы должны понимать намерения художников и то, как они отвечали культурным требованиям своего времени. Большая часть классической живописи была заказана религиозными лидерами, чтобы рассказывать и пересказывать истории верующих. Или политика — живопись, посвященная историческим моментам, или придворная жизнь — как в этих двух работах из шоу.

Их покровителям нравились эти грандиозные жесты, которые отмечали их достижения и оставляли след в истории.Истории, рассказанные масляными картинами, выполненными с использованием установленных технологий и качественных материалов художников, могут жить сотни лет.

В то время живопись была высшей формой визуальной записи человеческого опыта. Единственная причина, по которой мы имеем представление о том, как выглядела жизнь, — это живопись. Но великий стиль — повествование было высшей формой визуального повествования.

Изображения греческих мифов о Меркурии и Герсе слева или религиозные истории, такие как история Юдифи из Библии, нет, это не голова ее мужа, а голова вражеского генерала.

Но я надеюсь, что вы видите, что многие классические картины объединяет то, что все они выглядят как кадры из драматической пьесы. Живопись была единственной визуальной средой, содержащей драму.

Прошло много времени с тех пор, как мы обратились к живописи как к нашему первоисточнику визуальной драмы или даже визуального рассказа историй; мы идем на ТВ и в кино.

За последние 100 лет живопись была освобождена от обязанности создавать драматические произведения или записывать значимые события. Фотография освободила живопись от основной обязанности рассказывать нам, как выглядят вещи.Живопись могла бы умереть, если бы эти две важные части рынка были удалены, но как свидетельство первозданной силы живописи она эволюционировала, чтобы удовлетворить другие культурные потребности.

Импрессионисты создали эту новую роль для живописи.

Их работа явилась результатом удивительного слияния идей и материалов. Этот раздел разговора посвящен намерениям. Их намерения состояли в том, чтобы привнести в искусство научный образ мышления. Вместо того, чтобы рисовать свет в студии, эти современные художники занимались изучением научных взглядов на мир.Они изображали свет мира. Рассказывание историй и драма не были важными намерениями. Вот две картины Моне, изображающие Руанский собор, поскольку во многих сериях Моне он создал множество картин на каждый предмет, чтобы изучить влияние света в разное время дня и при разных погодных условиях.

Наряду с этим новым взглядом на мир импрессионисты дали нам новый элемент человечности как фокус для живописи. И это чистое ощущение, производимое цветом и светом, без повествования, которое направляет переживания.

Еще два Моне демонстрируют использование цвета для вызова эмоциональной реакции.

В качестве фона для заключительных замечаний я возвращаюсь к Клоду и Клоду.

Сейчас мы живем в мире искусства, который был охарактеризован как «постмодернистский». В этом постмодернизме все стили или художественные средства, когда-либо изобретенные, можно увидеть на стенах сегодняшних художественных галерей. Но все же во всей живописи используется только одна из двух рассмотренных нами структур. Картины либо привлекают свет на поверхность, иногда больше, иногда меньше, либо заставляют его отражаться прямо от поверхности.Тем не менее, художники правят и, трансформируя художественные материалы, они оставляют нам визуальные записи нашей культуры, наших идей и наших эмоций. И лично я считаю, что мы богаче всем этим разнообразием.

Если у вас есть дополнительные вопросы о том, почему классические и современные картины выглядят так по-разному, свяжитесь с нами.

Роберт Гэмблин


Кредит: Здание Парламента, 1903 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Бруклинский художественный музей, Нью-Йорк, США / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Мужчина в тюрбане, 1433 г. (масло на дубе) — Эйк, Ян ван (ок.1390-1441)
© Национальная галерея, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Еврейская невеста, около 1666 г. (холст, масло) Рембрандта Харменса. ван Рейн (1606-69)
© Рейксмузеум, Амстердам, Голландия / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Мост Ватерлоо, 1902 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Hamburger Kunsthalle, Гамбург, Германия / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Юдифь (холст, масло) Валентина де Булонь, (1594-1632)
© Musee des Augustins, Тулуза, Франция / Жиро / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Женщина с зонтиком повернулась к Слева, 1886 год (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Paris, France / Giraudon / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: The Gare St.Лазар, 1877 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Париж, Франция / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Фасад Руанского собора и Tour d’Albane (Утренний эффект) 1894 г. ( холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс, США / Коллекция Томпкинса / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Grainstack (Sunset) 1891 (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Музей изящных искусств, Бостон, Массачусетс, США / Коллекция Джулианы Чейни Эдвардс / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: St.Иоанн Креститель, 1513-16 (холст, масло), Винчи, Леонардо да (1452-1519)
© Лувр, Париж, Франция / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Бурное море в Этрета, 1883 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee des Beaux-Arts, Lyon, France / Giraudon / The Bridgeman Art Library

Предоставлено: Ecce Homo (холст, масло) Миньяра, Пьера (1612-95)
© Musee des Изящное искусство, Руан, Франция / Лорос / Жиро / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Св. Анна ведет Богородицу в храм, ок.1635-45 (холст, масло) Стелла, Жак (1596-1657)
© Musee des Beaux-Arts, Руан, Франция / Lauros / Giraudon / Библиотека искусств Бриджмена

Предоставлено: Руанский собор при полном солнечном свете: гармония в синем и золото, 1894 г. Автор: Моне, Клод (1840-1926)
© Musee d’Orsay, Paris, France / Lauros / Giraudon / The Bridgeman Art Library

Кредит: Впечатление: Восход солнца, Гавр, 1872 г. (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Musee Marmottan, Paris, France / Giraudon / Художественная библиотека Бриджмена

Предоставлено: Парижское суждение, ок.1632-35 (масло на панели) Рубенс, Питер Пол (1577-1640)
© Национальная галерея, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Пляж в Трувиле, 1870 (холст, масло) Моне, Клод (1840-1926)
© Национальная галерея, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Сюзанна и старейшины Бланшар, Жак (1600-38)
© Agnew & Sons, Лондон, Великобритания / © Agnew’s, Лондон, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Кредит: Шествие Людовика XIV (1638-1715) через Пон-Нёф (холст, масло) Мейлен, Адам Франс ван дер (1632-90)
© Musee de Grenoble, France / Peter Вилли / Художественная библиотека Бриджмена

10 самых известных картин эпохи Возрождения

Период с 14 по 17 век в Европе обычно называют Ренессансом, и он ознаменовал возрождение или возрождение классической учености и мудрости.Волна возрождения затронула многие области европейской цивилизации, особенно области искусства, религии, литературы и политики. Возрождение ознаменовало возросшее понимание природы, возрождение обучения, которое присутствовало в средневековый период, но стало заметным в 15 и 16 веках. Искусство эпохи Возрождения — это представление индивидуального взгляда на человека. В период Возрождения были замечены славные работы многих легендарных художников, которые почитаются до сих пор.

Вот некоторые из самых важных и известных картин эпохи Возрождения.

  1. Мона Лиза:

    Картина «Мона Лиза» Леонардо да Винчи — одна из самых известных и признанных картин в истории. Бесспорно, это самая обсуждаемая картина из-за загадочной улыбки. Было много дискуссий об улыбке Моны Лизы, независимо от того, улыбается она или нет. Главная особенность этой картины в том, что да Винчи нарисовал ее глаза таким образом, что даже когда вы меняете угол обзора, кажется, что глаза Моны Лизы всегда следят за вами.Картина написана маслом на дереве и в настоящее время находится в собственности правительства Франции. Мона Лиза выставлена ​​в Лувре, Париж, и принадлежит публике, а это означает, что ее нельзя купить или продать.

  2. Primavera :

    В переводе с итальянского это слово означает весна. Примавера — это картина Сандро Боттичелли, чье настоящее имя было Алессандро ди Мариано Филипепи. Картина также известна как «Аллегория весны». Считается, что Боттичелли создал это произведение искусства около 1482 года и считается одним из ярких образцов искусства эпохи Возрождения.Многие пытались интерпретировать картину, и многие придумали объяснения. Одни говорят, что это мифическая аллегория, другие — о смене сезона на весну. Эта картина популярна из-за использования цвета и различных объяснений. Примавера считается самой противоречивой картиной в мире.

  3. Сотворение Адама. Автор Микеланджело Буонарроти:

    Созданный в 1512 году, это одна из знаковых картин Микеланджело.Творением Адама является роспись на потолке Сикстинской капеллы. Несмотря на то, что это одна из самых тиражируемых картин всех времен, по популярности она уступает только Моне Лизе. Картина стала символом человечества, так как на ней изображены руки Бога и Адама на грани соприкосновения.

  4. Тайная вечеря:

    Тайная вечеря, признанная лучшим произведением Леонардо да Винчи в 1498 году, является важной картиной эпохи Возрождения.Изображение показывает Иисуса с учениками на его последней вечере. Картина отличается умным использованием цвета, света и анатомии. Картина также является предметом множества дискуссий и домыслов. Многие предположили, что учеником, сидящим справа от Иисуса, является Мария Магдалина, и многие также задавались вопросом о значении или значении V-образной формы между Иисусом и человеком справа. Несмотря на все домыслы, Тайная вечеря — один из шедевров Леонардо да Винчи.

  5. Афинская школа Рафаэля:

    Написанная в 1511 году, она стоит среди четырех основных фресок на стенах Апостольского дворца в Ватикане.Четыре фрески символизируют философию, поэзию, богословие и право. Картина символизирует философию, потому что говорят, что она представляет собой лучший период греческой философии, поскольку в центре картины можно найти Аристотеля и Платона. Эта картина прекрасно передала классический дух эпохи Возрождения.

  6. Поцелуй Иуды:

    Написанная в 1306 году Джотто ди Бондоне, эта картина изображает момент предательства Иисуса Иудой Искариотом, который поцеловал Иисуса римским солдатам.Часовня Скровеньи является домом для цикла фресок Джотто ди Бондоне, а «Поцелуй Иуды» — самая известная картина в этом цикле. Многие критики считают Джотто гением, и ни один художник не смог превзойти его работы. Его мастерство очевидно в том, как он запечатлел выражение лица Иисуса и Иуды в этой сцене предательства.

  7. Страшный суд:

    Картина Микеланджело Буонарроти, выполненная в 1541 году, находится на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане.Картина рассказывает о втором пришествии Иисуса, о дне, когда Бог будет судить все человечество. Микеланджело изобразил Иисуса в центре в окружении святых. Верхняя часть картины показывает воскресение мертвых на небеса, а нижняя часть показывает сошествие грешников в ад. Использование цветов и превосходная манера письма делают эту картину самой почитаемой в мире.

  8. Сикстинская Мадонна:

    Рафаэлло Санцио, широко известный как Рафаэль, написал Сикстинскую Мадонну в 1512 году.На картине изображена Мать Мария, держащая в руках младенца Иисуса, а по обеим ее сторонам — святые Варвара и святой Сикст, а под ней — два херувима. Это одно из самых известных произведений Рафаэля и важное полотно эпохи Возрождения.

  9. Успение Пресвятой Богородицы:

    Главный алтарь в базилике Санта-Мария-Глориоза-деи-Фрари, где находится эта картина Тициано Вечеллио, также известного как Тициан. Эта картина была написана Тицианом в ранние годы, и он использовал яркие цвета в этой картине.«Успение Богородицы» — картина о восхождении Богородицы на небо. Тициан изобразил Мать Марию в красном платье, которая вознесена на небеса туда, где Бог смотрит на Марию, в то время как апостолы прощаются с ней с земли.

  10. Рождение Венеры. Автор Сандро Боттичелли:


    Созданная в 1485 году картина изображает богиню Венеру, прибывающую на остров Кипр. Она изображена чистой и зрелой женщиной, стоящей на ракушке. Боттичелли уделял большое внимание каждой детали Венеры.Эта картина была написана в период, когда на картинах изображалась нагота, что делает ее важной картиной эпохи Возрождения.

В этом списке представлены 10 самых важных картин эпохи Возрождения, на которых возвышались многие художники. Ренессанс, без сомнения, был культурным и художественным возрождением в истории, и эти картины стали синонимами периода Возрождения.
(Источник изображения: Википедия)

50 известных картин и истории за ними

50 известных картин и стоящие за ними истории

Картинка стоит тысячи слов, и, как и тексты, искусство часто предназначено для «чтения» через критическую деконструкцию.Картины могут быть намного сложнее, чем кажется на первый взгляд, и их трудно расшифровать, если зритель не говорит на одном языке. Иконография — символический язык данного произведения искусства — может быть изощренным и сложным, отражать коллективное сознание или черпаться из личного опыта художника. Почему кто-то отказался от написанного слова в пользу краски и холста? Американский художник ХХ века Эдвард Хоппер, похоже, нашел ответ. «Если бы я мог сказать это словами, — сказал он, — не было бы причин рисовать.”

Истории, рассказанные произведениями искусства — и о них — в буквальном смысле слова являются предметом романов. «Девушка с жемчужной сережкой» Иоганна Вермеера вдохновила на создание одноименного романа писательницы Трейси Шевалье. Впоследствии по книге был снят фильм со Скарлетт Йоханссон в главной роли. Спустя почти 40 лет после того, как Ирвинг Стоун написал свой биографический отчет о жизни Микеланджело, «Код да Винчи» Дэна Брауна превратил жизнь и творчество мастера эпохи Возрождения в шумную игру на протяжении предшествующих тысячелетий.

, 13 сентября 2019 г. знаменует собой широкий кинематографический выпуск последнего представителя жанра: «Щегол» по роману Донны Тартт, получившему Пулитцеровскую премию. В центре книги — выдуманная кража одноименной картины голландского художника Карела Фабрициуса после взрыва, сотрясающего нью-йоркский музей Метрополитен. По иронии судьбы, Фабрициус погиб в результате разрушительного взрыва пороха в 1654 году, вскоре после завершения своей самой памятной работы. Успех, которым пользовалась книга Тартта, поднял «Щегла» до статуса рок-звезды. Его собирали толпы, полные решимости мельком увидеть крошечную птичку, привязанную хрупкой цепью.[Примечание: картина Фабрициуса не представлена ​​в галерее Стекера.]

Stacker составил этот список самых известных в мире изображений и интересных историй, стоящих за ними. Прокрутите список и узнайте, какие картины возмутили Париж, были разграблены нацистами и вдохновили на создание популярного бродвейского мюзикла.

Вам также могут понравиться: 51 женщина, получившая Нобелевскую премию

американская готика | Чикагский институт искусств

американская готика

Дата:

1930

Автор:

Грант Вуд
Американец, 1891–1942

Об этом произведении

Это знакомое изображение впервые было публично выставлено в Чикагском институте искусств, получив трехсотдолларовую премию и мгновенно прославив Гранта Вуда.Толчок к созданию картины пришел, когда Вуд посетил небольшой городок Элдон в его родной Айове. Там он заметил небольшой деревянный фермерский дом с единственным огромным окном, выполненным в стиле, называемом плотницкой готикой. «Я представлял себе американских готиков с распростертыми лицами в этом американском готическом доме», — сказал он. Он использовал свою сестру и дантиста в качестве моделей для фермера и своей дочери, одевая их так, как если бы они были «детскими копиями из моего старого семейного альбома». Детализированный, отполированный стиль и строгая фронтальность двух фигур были вдохновлены искусством фламандского Возрождения, которое Вуд изучал во время своих путешествий по Европе между 1920 и 1928 годами.Вернувшись, чтобы обосноваться в Айове, он стал все более ценить традиции и культуру Среднего Запада, которые он прославлял в таких произведениях, как эта. American Gothic , часто понимаемый как сатирический комментарий к персонажу Среднего Запада, быстро стал одной из самых известных картин Америки и теперь прочно вошел в массовую культуру страны. Тем не менее, Вуд задумал, что это будет позитивное заявление о американских ценностях в сельской местности, образ успокоения во времена больших потрясений и разочарований.Мужчина и женщина в их прочном и хорошо продуманном мире со всеми их сильными и слабыми сторонами представляют собой выживших.

Статус

На просмотре, Галерея 263

Отдел

Искусство Америки

Художник

Грант Вуд

Название

американская готика

Происхождение

Соединенные Штаты

Дата

Сделано в 1930 г.

Средний

Масло на бобровой доске

Надписи

Подпись и дата внизу справа на комбинезоне: GRANT / WOOD / 1930.

Размеры

78 × 65.3 см (30 3/4 × 25 3/4 дюйма)

Кредитная линия

Коллекция друзей американского искусства

Регистрационный номер

1930 г.934

Расширенная информация об этой работе

История публикаций

  • «Присуждение премий на ежегодной американской выставке», Бюллетень Института искусств Чикаго, 24, вып.9 (декабрь 1930 г.): 120.
  • Бюллетень Чикагского института искусств 25, вып. 2 (февраль 1931 г.): обложка (илл.), 8, 25.
  • «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Института искусств Чикаго: Отчет за 1931 год, 26 вып. 2 (февраль 1932 г.): 70.
  • «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Института искусств Чикаго: Отчет за 1933 год 28, вып. 3 (март 1934 г.): 71, 73.
  • «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Чикагского института искусств: отчет за 1934 г. 29, вып.3 (март 1935 г.): 72.
  • «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Чикагского института искусств: отчет за 1935 год 30, вып. 3 (март 1936 г.): 68.
  • Фредерик А. Свит, «Полвека американского искусства», Бюллетень Чикагского института искусств 33, вып. 6 (№ 1939): 97.
  • Анита Бреннер, «Есть ли американское искусство?», Журнал New York Times (23 ноября 1941 г.), ил. п. 13.
  • Фредерик С. Уайт, Вехи американской живописи в нашем веке, введение Ллойда Гудрича (Бостон: Институт современного искусства с Chanticleer Press, Нью-Йорк, 1949), 30, 74, ил.пл. 21, 75.
  • Алин Б. Лушхейм, «Житель Нью-Йорка посещает Институт искусств», The Art Institute of Chicago Quarterly 46, no. 2 (1 апреля 1952 г.): 23.
  • «Люди и события: портреты на телевидении», The Art Institute of Chicago Quarterly 50, no. 2 (1 апреля 1956 г.): 39.
  • Анри Дорра, Американская муза (Viking Press, 1961), 124, ил. п. 156.
  • «Беседы в Летней галерее», Календарь Чикагского института искусств 65, вып. 3 (май – август 1971 г.): 18.
  • «Выбор лектора: пятнадцатиминутные беседы в галереях на лето», Бюллетень Чикагского института искусств 67, вып.3 (май-июнь 1973 г.): 11.
  • Мэтью Байгелл, Американская сцена: американская живопись 1930-х годов (Praeger Publishers, 1974), 18, 109, 110, 111, ил. 1, 12.
  • «Публичные лекции», Бюллетень Чикагского института искусств 69, вып. 4 (июль – август 1975 г.): 8.
  • «Публичные лекции», Бюллетень Чикагского института искусств 73, вып. 5/6 (сентябрь – декабрь 1979 г.): 14.
  • Ванда Корн, «Картина, ставшая символом национального духа», Smithsonian 11, 8 (ноябрь 1980 г.), 84–96, илл. п.85.
  • Wanda M. Corn, Grant Wood: The Regionalist Vision, exh. Кот. (Институт искусств Миннеаполиса / издательство Йельского университета, 1982 г.), 3, 25–26, 33, 35, 60, 128–142, pl. 32.
  • Ванда М. Корн, «Рождение национальной иконы: американская готика Гранта Вуда», Чикагский институт искусств, лекции столетия, музейные исследования 10 (Институт искусств Чикаго / Contemporary Books, Inc., 1983), 253 –275, рис. 1.
  • Davenport Museum of Art, IA, Grant Wood: An American Master Revealed (Davenport Museum of Art / Pomegranate Books, 1995), 24, 69–73, 96–98, cat.16, пл. 16.
  • Чикагский институт искусств, Чикагский институт искусств: живопись и скульптура двадцатого века, выбранный Джеймсом Н. Вудом и Тери Дж. Эдельштейн (Институт искусств Чикаго, 1996), 67, ил.
  • Джеймс М. Деннис, Регионалисты-отступники: современная независимость Гранта Вуда, Томас Харт Бентон и Джон Стюарт Карри (University of Wisconsin Press, 1998), 14, 19–20, 100–02, рис. 7.
  • Леа Россон Делонг, Мейн-стрит Гранта Вуда: искусство, литература и Средний Запад Америки, exh.Кот. (Эймс, Айова: Художественный музей Брунье, Университетские музеи, 2004 г.), 17–18, 24, 27–29, 39, 97, 104, 106, 159, 203, 205, 207, рис. 12.
  • Томас Ховинг, Американская готика: биография американского шедевра Гранта Вуда (Chamberlain Bros., 2005).
  • Стивен Биль, Американская готика: жизнь самых известных картин Америки (W.W. Norton & Co., 2005).
  • Сью Тейлор, «Семейный альбом Гранта Вуда», American Art 19, 2 (лето 2005 г.): 48–67.
  • Judith A. Barter et al., Американский модернизм в Институте искусств Чикаго, От Первой мировой войны до 1955 г. (Чикаго: Институт искусств Чикаго / Издательство Йельского университета, 2009 г.), кат. 79.
  • Лаура Хоптман, «Уайет: мир Кристины», Один на один (Музей современного искусства, 2012), 4 (илл.).
  • Duane Preble Emeritus et al., Prebles ’Artforms (Pearson, 2013), 11-е изд., 428. (ил.).
  • Шанталь Георгель, «Просо» (Citadelles et Mazenod, 2014), (илл.).
  • Картины в Институте искусств Чикаго: основные моменты коллекции (Чикаго: Институт искусств Чикаго / Издательство Йельского университета, 2017), 123.
  • Джудит А. Бартер, «Пролог: Ein neue Welt der Kunst», в Es war einmal in Amerika — 300 Jahre US-amerikanische Kunst [Однажды в Америке: три века американского искусства], ред. Барбара Шефер и Анита Хахманн (Кельн: Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud / Wienand Verlag, 2018), 24, рис. 10 (ил.).
  • Эндрю Грэм-Диксон, «Американская готика» — тайна Среднего Запада Гранта Вуда », Christie’s, 22 октября 2019 г., https://www.christies.com/features/American-Gothic-A-Midwestern-mystery-10143- 1.aspx, (ил.).
  • Марта Руис дель Арбол, изд., Джорджия О’Киф, отл. Кот. (Мадрид: Национальный музей Тиссена-Борнемисы, 2021 г.), 66–67, рис. 45 (ил).

История выставки

  • Институт искусств Чикаго, Сорок третья ежегодная выставка американской живописи и скульптуры, 30 октября — 14 декабря 1930 г., кат. 207, ил.
  • Сидар-Рапидс, ИА, февраль 1931 г.
  • Академия изящных искусств Буффало, Художественная галерея Олбрайт, Двадцать пятая ежегодная выставка избранных картин американских художников, 26 апреля — 22 июня 1931 г., кат.139, ил. п. 26.
  • Галерея изящных искусств Сан-Диего, выставка современной восточной живописи [вероятно], ок. Июнь 1932 г., кат. Санта-Барбара, Калифорния, Мемориальная картинная галерея Фолкнера, гр. Август 1932 г.
  • Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, картины и гравюры чикагских художников, 28 февраля – 30 марта 1933 г., кат. 37, ил. фронтиспис.
  • Художественный институт Чикаго, Выставка живописи и скульптуры «Век прогресса», 1 июня — 1 ноября 1933 г., кат. 666, пл. 92.
  • Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Филлипса, ноябрь 1933 — февраль 1934.
  • Филадельфия, Музей искусств Пенсильвании, 31 марта — 10 апреля 1934 г.
  • Институт искусств Чикаго, Выставка живописи и скульптуры «Век прогресса», 1 июня — 1 ноября 1934 г., кат. 716.
  • Чикаго, Lakeside Press Galleries, ссудная выставка рисунков и картин Гранта Вуда, февраль – март 1935 г., кат. 33, ил. п. 23.
  • Нью-Йорк, галереи Фераргил, выставка картин и рисунков Гранта Вуда, март – апрель 1935 г., кат. 15.
  • Канзас-Сити, Миссури, Уильям Р.Галерея Нельсона, 2 октября — 8 ноября 1935 г.
  • Далласский музей изящных искусств, выставка столетия, 6 июня — 29 ноября 1936 г., кат. 15, ил. п. 64.
  • Чикагский женский клуб, 20 января 1937 г.
  • Блумингтон, Иллинойс, Центральная выставка искусств Иллинойса, 19 марта — 8 апреля 1939 г., кат. 106, ил. п. 29.
  • Айова-Сити, Фестиваль изящных искусств, Зал Союза Айовы, Университет Айовы, выставка картин Гранта Вуда и Марвина Д. Коуна, 16–23 июля 1939 г., кат. 23.
  • Художественный институт Чикаго, Полвека американского искусства, 16 ноября 1939 г. — 7 января 1940 г., кат.178, пл. 46. ​​
  • Bloomfield Hills, MI, Cranbrook Academy of Art, 17 мая — 6 июня 1940 г.
  • Northampton, MA, Художественный музей Смит-колледжа, американское искусство: аспекты американской живописи, 1900–1940, 12–22 июня , 1940, кат. 33.
  • Художественный музей Вустера, Десятилетие американской живописи 1930–1940 гг., 18 февраля — 22 марта 1942 г., ил. п. 23.
  • Cedar Rapids Art Association, Мемориальная выставка Гранта Вуда, 1 сентября — 1 октября 1942 г., без кат. См. Cedar Rapids Gazette, 06.09.1942.
  • Художественный институт Чикаго, Мемориальная выставка картин и рисунков Гранта Вуда, включенная в Пятьдесят третью ежегодную выставку американской живописи и скульптуры, 29 октября — 12 декабря 1942 г., кат.2, цвет ил. фронтиспис.
  • Нью-Йорк, Музей современного искусства, Портреты ХХ века, 8 декабря 1942 г. — 24 января 1943 г., стр. 145, ил. п. 99.
  • Балтимор, Мэриленд, 12 февраля — 7 марта 1943 г.
  • Художественный музей Вустера, 17 марта — 19 апреля 1943 г.
  • Бостон, Институт современного искусства, десять американцев, 20 октября — 21 ноября 1943 г. , Кот. 29, ил.
  • Сагино, Мичиган, Художественный музей Сагино, выставка американской живописи с колониальных времен до наших дней, 10 января – 15 февраля 1948 г., кат. 71, пл. 13.
  • Далласский музей изящных искусств, известные американские картины, 9–31 октября 1948 г., n.pag., Ил.
  • Бостон, Институт современного искусства, вехи американской живописи в нашем веке, ок. 2 января – с. 3 марта 1949 г., кат. 21.
  • Монреаль, Канада, 18 марта — 20 апреля 1949 г.
  • Художественная выставка Канадской национальной выставки, 26 августа — 10 сентября 1949 г.
  • Белойт, Висконсин, Колледж Белойт, 11 октября — 11 ноября 1949 г.
  • Дейтон, Огайо, Дейтонский институт искусств, Художник и его семья, 3 марта – апрель 1950 г., кат.40.
  • Cedar Rapids, IA, Coe College, Centennial Exhibition, 15 мая — 9 июня 1952 г., кат. 24.
  • Нью-Йорк, Вильденштейн, Достопримечательности американского искусства, 1670–1950, 26 февраля — 28 марта 1953 г., кат. 50, ил.
  • Сиракузский музей изящных искусств, 125 лет американского искусства, 15 сентября — 11 октября 1953 г., кат. 59, ил. п. 18.
  • Dubuque, IA, Dubuque Art Association, Тридцать лет Гранта Вуда, 15–23 февраля 1955 г., кат. 9.
  • Де-Мойн, Айова, Центр искусств Де-Мойна, Передача искусства из собраний Среднего Запада: американская и европейская живопись и скульптура, 1835–1955, 13 октября — 6 ноября 1955 г., кат.20, ил.
  • Давенпорт, Айова, Муниципальная художественная галерея Давенпорта, Грант Вуд и американская сцена, 3–24 февраля 1957 г., кат. 5, ил. п. 5.
  • Лейк-Форест, Иллинойс, Институт искусств Дюрана, Колледж Лейк-Форест, Век американской живописи: шедевры, предоставленные Институтом искусств Чикаго, 10–16 июня 1957 г., кат. 24.
  • Бруклинский художественный музей, Лицо Америки: история портретной живописи в Соединенных Штатах, 13 ноября 1957 г. — 26 января 1958 г., кат. 92, рис. 41.
  • Вашингтон, округ Колумбия, Галерея искусств Коркоран, Американская муза: параллельные тенденции в литературе и искусстве, 4 апреля — 17 мая 1959 г., кат.130.
  • Художественный институт Чикаго, Искусство в Иллинойсе, В честь полувекового юбилея Иллинойса, 15 июня — 8 сентября 1968 г., стр. 10.
  • Чикагский институт искусств, 100 художников, 100 лет: выпускники SAIC, Выставка столетия, 23 ноября 1979 г. — 20 января 1980 г., кат. 112, ил. п. 35.
  • Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Grant Wood: The Regionalist Vision, 16 июня — 4 сентября 1983 г., кат. 25, пл. 32; Институт искусств Миннеаполиса, 25 сентября 1983 г. — 1 января 1984 г .; Институт искусств Чикаго, 21 января — 15 апреля 1984 г .; Сан-Франциско, М.Мемориальный музей Х. ДеЯнга, 12 мая — 12 августа 1984 г.
  • Омаха, Северная Каролина, Художественный музей Джослин, Грант Вуд: раскрытие американского мастера, 10 декабря 1995 г. — 25 февраля 1996 г., кат. 14, пл. 16; Давенпорт, Айова, Художественный музей Давенпорта, 23 марта — 8 сентября 1996 г .; Вустер, Массачусетс, Художественный музей Вустера, 6 октября — 31 декабря 1996 г.
  • Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Американский век: искусство и культура, 1900–1950, 23 апреля — 22 августа 1999 г., кат. 435, цвет ил. п. 225.
  • Cedar Rapids, IA, Cedar Rapids Museum of Art, Grant Wood at 5 Turner Alley, 10 сентября — 4 декабря 2005 г.
  • Renwick Gallery, Смитсоновский институт, Студия Гранта Вуда: место рождения американской готики, 10 марта — 11 июня 2006 г.
  • Центр искусств Де-Мойна, After Many Springs: Искусство на Среднем Западе в 1930-е годы, 30 января — 30 марта, 2009.
  • Художественный институт Чикаго, Америка После падения: живопись 1930-х годов, 5 июня — 18 сентября 2016 г .; Париж, Musee de l’Orangerie, 15 октября 2016 г. — 30 января 2017 г .; Лондон, Королевская академия, 25 февраля — 4 июня 2017 г., кат. 47.
  • Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Grant Wood: American Gothic and Other Fables, 2 марта — 10 июня 2018 г., no cat no., пл. 33, контрольный список стр. 259.

Происхождение

Художник; продан Чикагскому институту искусств, ноябрь 1930 г.

Мультимедиа

Образовательные ресурсы

Информация об объекте находится в стадии разработки и может обновляться по мере появления новых результатов исследований.Чтобы помочь улучшить эту запись, напишите нам. Информация о загрузке изображений и лицензировании доступна здесь.

▷ 101 величайший художник всех времен 🔥 Best Western Painters

Список из 101 наиболее важных и известных художников в истории западной живописи с 13 по 21 век.

Хотя этот список является результатом глубокого изучения художников, их вклада в западную живопись и их влияния на более поздних художников; мы понимаем, что в искусстве нет объективности, поэтому мы понимаем, что большинство читателей не согласны на 100% с этим списком. В любом случае theartwolf.com заверяет, что этот список предназначен только как дань уважения живописи и художникам, которые сделали ее незабываемым искусством.

101 знаменитый художник, которого вы должны знать: самые выдающиеся западные художники всех времен

Нажмите, чтобы написать в Твиттере

101

известных художников вы должны знать!

ПАБЛО ПИКАССО (1881-1973)

Любите его или ненавидите, Пикассо все изменил.Он для истории искусств — гигантское землетрясение с вечными последствиями. За исключением, возможно, Микеланджело (который сосредоточил свои самые большие усилия на скульптуре и архитектуре), ни у одного другого художника не было таких амбиций на момент включения своего творчества в историю искусства.

Пикассо создал авангард. Пикассо разрушил авангард. Он оглянулся на мастеров и создал личный стиль, которому подражали художники со всего мира. В последние годы его работы часто несколько скучны и неинтересны, но его непревзойденное наследие уже было установлено.К лучшему или к худшему.

GIOTTO DI BONDONE (около 1267-1337)

Некоторые историки искусства говорили, что Джотто был первым настоящим художником, как Адам был первым человеком.

Джотто продолжил византийский стиль Чимабуэ и других предшественников, но он заслужил право быть включенным золотыми буквами в историю живописи, когда добавил неизвестное на сегодняшний день качество: эмоции.

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ (1452-1519)

Нет художника более легендарного, чем Леонардо да Винчи.Он навсегда останется автором самой известной картины всех времен «Джоконда» или «Мона Лиза».

Но он больше, намного больше. Во всей истории искусства ни одно имя не вызвало больше дискуссий, споров и исследований, чем гений, родившийся в Винчи в 1452 году.

ПОЛЬ СИЗАНН (1839–1906)

«Сезанн — отец всех нас». Эту знаменитую цитату приписывают и Пикассо, и Матиссу, и, конечно, не имеет значения, кто на самом деле ее произнес, потому что в любом случае будет уместно.Несмотря на то, что он выставлялся с художниками-импрессионистами, Сезанн оставил всю группу позади и разработал стиль живописи, которого раньше не видели, открыв дверь для прихода кубизма и остальных авангардов двадцатого века.

REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669)

Очаровательное использование света и тени в работах Рембрандта, кажется, отражает его собственную жизнь, переходящую от славы к забвению. Рембрандт — величайший мастер голландской живописи и, наряду с Веласкесом, главная фигура европейской живописи 17 века.Кроме того, он великий мастер автопортрета всех времен, художник, который никогда не проявил милосердия, когда изобразил себя.

ДИЕГО ВЕЛАЗКЕС (1599-1660)

Наряду с Рембрандтом, одна из вершин барочной живописи. Но в отличие от своего голландского современника, севильский художник провел большую часть своей жизни в комфортном, но жестком обществе куртизанок. Тем не менее, Веласкес был новатором, «художником атмосферы» за два столетия до Тернера и импрессионистов, что показано в его колоссальных «королевских картинах» («Менины», «Кузница Вулкана»), но также и в его маленьких и памятные зарисовки Виллы Медичи.

ВАСИЛИЙ КАНДИНСКИЙ (1866-1944)

Хотя титул «отец абстракции» был присвоен нескольким художникам, от Пикассо до Тернера, немногие художники претендуют на него с таким количеством мотивов, как Кандинский. Многим художникам удалось нарисовать эмоции, но очень немногие изменили наше понимание искусства. Василий Кандинский — один из них.

КЛОД МОНЕ (1840-1926)

Значение Моне в истории искусства иногда «недооценивают», поскольку любители искусства склонны видеть только подавляющую красоту, исходящую от его полотен, игнорируя сложную технику и композицию работы («дефект», каким-то образом вызванный Моне. сам, когда заявил: «Я не понимаю, почему все обсуждают мое искусство и делают вид, что понимают, как будто это нужно понимать, когда просто нужно любить»).Однако эксперименты Моне, в том числе его исследования изменений одного и того же объекта, вызванные дневным светом в разное время суток; и почти абстрактность его «водяных лилий» явно являются прологом к искусству двадцатого века.

Оттавио Леони — Портрет Караваджо маленький

MICHELANGELO MERISI DA CARAVAGGIO (1571-1610)

Жесткий и жестокий Караваджо считается отцом живописи в стиле барокко с его эффектным использованием света и тени.Светотень Караваджо стал настолько известен, что многие художники стали копировать его картины, создавая стиль «Караваджисти».

ДЖОЗЕФ-МЭЛЛОРД УИЛЬЯМ ТЕРНЕР (1775-1851)

Тернер — лучший пейзажист западной живописи. Несмотря на то, что в первые годы своей карьеры Тернер был академическим художником, Тернер медленно, но неуклонно развивался в направлении свободного атмосферного стиля, иногда даже обрисовывая в общих чертах абстракцию, которую неправильно понимали и отвергали те же критики, которые затем восхищались им на протяжении десятилетий.

ЯН ВАН ЭЙК (1390-1441)

Ван Эйк — колоссальный художник фламандской живописи, гений точности, основательности и перспективы, намного превосходящий любого другого художника своего времени, будь то фламандский или итальянский.

АЛЬБРЕХТ ДЮРЕР (1471-1528)

Настоящим Леонардо да Винчи североевропейского Возрождения был Альбрехт Дюрер, неугомонный гений-новатор, мастер рисунка и цвета. Он был одним из первых художников, изображавших природу без каких-либо изощрений, в своих живописных пейзажах или рисунках растений и животных.

MICHELANGELO BUONARROTI (1475-1564)

Некоторые читатели будут весьма удивлены, увидев человека, который, возможно, является величайшим художественным гением всех времен, из «первой десятки» этого списка, но факт в том, что даже Микеланджело называл себя «скульптором», и даже его рисовал шедевр (фрески Сикстинской капеллы) часто называют «расписными скульптурами». Тем не менее, этого незабываемого шедевра достаточно, чтобы обеспечить ему почетное место в истории живописи.

ФРАНЦИСКО ДЕ ГОЙЯ (1746-1828)

Гойя — загадка. Во всей истории искусства немногие фигуры столь же сложны, как художник, родившийся в Фуэндетодосе, Испания. Предприимчивый и непредсказуемый, художник, которому не было соперников за всю свою жизнь, Гойя был придворным художником и художником людей. Он был религиозным художником и художником-мистиком. Он был автором красоты и эротизма «Maja desnuda» и создателем откровенного ужаса «Третьего мая 1808 года».Он был масляным художником, фресковым художником, рисовальщиком и гравером. И он никогда не останавливал своих метаморфоз.

ВИНСЕНТ ВАН ГОГ (1853-1890)

Немногие имена в истории живописи теперь так известны, как Ван Гог, несмотря на полное пренебрежение, которое он перенес при жизни. Его работы, сильные и личные, оказали огромное влияние на живопись двадцатого века, особенно на немецкий экспрессионизм.

ЭДУАР МАНЕ (1832-1883)

Мане был истоком импрессионизма, революционером во времена великих художественных революций.Его (в то время) весьма полемическая «Олимпия» или «Déjeuner sur l’Herbe» открыли путь для великих деятелей импрессионизма.

АНРИ МАТИСС (1869-1954)

Некоторые искусствоведы склонны рассматривать Матисса как величайшего представителя живописи двадцатого века, которого превзошел только Пикассо. Это довольно спорно, хотя почти чистое использование цвета в некоторых из его работ сильно повлияло на многие из следующих авангардистов.

RAFFAELLO SANZIO (1483-1520)

Одинаково любимый и ненавидимый в разные эпохи, никто не может сомневаться в том, что Рафаэль — один из величайших гениев Возрождения, обладающий превосходной техникой рисования и цвета.

ДЖЕКСОН ПОЛЛОК (1912-1956)

Крупнейшая фигура американского абстрактного экспрессионизма, Поллок создал свои лучшие работы, свои знаменитые капельницы, между 1947 и 1950 годами. После этих увлекательных лет, сравнимых с голубым периодом Пикассо или последними месяцами Ван Гога в Овере, он отказался от капельницы и выпустил свой последний Работы часто бывают смелыми, скучными.

DOMENIKOS THEOTOKOPOULOS · EL GRECO (1541-1614)

Один из самых оригинальных и увлекательных художников своей эпохи с очень личной техникой, которой три века спустя восхищались художники-импрессионисты.Настоящий новатор в самом широком смысле этого слова.

ПОЛ ГАГУИН (1848-1903)

Одна из самых ярких фигур в истории живописи. Его работы перешли от импрессионизма (который вскоре был заброшен) к красочному и энергичному символизму, что можно увидеть в его «Полинезийских картинах». Матисс и фовизм невозможно понять без произведений Поля Гогена.

ЖАН-МИШЕЛЬ БАСКВИАТ (1960-1988)

Баския, несомненно, самый важный и известный участник «движения граффити», появившегося на сцене Нью-Йорка в начале 80-х, художественного движения, огромное влияние которого на более позднюю живопись еще предстоит измерить.

ЭДВАРД МАНЧ (1863-1944)

Модернист в своем контексте, Мунк также может считаться первым художником-экспрессионистом в истории. Такие произведения, как «Крик», жизненно важны для понимания живописи ХХ века.

ТИЦИАНО ВЕЧЕЛЛИО ДИ ГРЕГОРИО (около 1476-1576)

После преждевременной смерти Джорджоне Тициан стал ведущей фигурой венецианской живописи своего времени. Его использование цвета и его вкус к мифологическим темам определили основные черты венецианского искусства 16 века.Его влияние на более поздних художников — Рубенса, Веласкеса… — чрезвычайно важно.

ФРАНСИС БЕКОН (1909–1992)

Максимальный представитель, наряду с Люсьеном Фрейдом, так называемой «Лондонской школы», стиль Бэкона был полностью против всех канонов живописи, не только в отношении красоты, но и против абстракции доминирующего абстрактного экспрессионизма того времени. .

ЭНДИ УОРХОЛ (1928-1987)

Блестящий и неоднозначный, Уорхол — ведущая фигура поп-арта и одна из икон современного искусства.Его серия шелкографии, изображающая иконы средств массовой информации (как переосмысление серии Водяных лилий Моне или Руанского собора), является одной из вех современного искусства, оказавшей огромное влияние на искусство наших дней

Сэр Петр Павел Рубенс (1577-1640)

Рубенс был одним из самых плодовитых художников всех времен, отчасти благодаря совместной работе над его исследованием. Очень известный в жизни, он путешествовал по Европе, чтобы выполнять заказы очень богатых и важных клиентов.Его обнаженные женские образы удивительны и в наши дни.

ИОГАНН ВЕРМЕЕР (1632-1675)

Вермеер был ведущей фигурой Делфтской школы и, несомненно, одним из величайших художников жанра всех времен. Такие работы, как «Вид на Делфт», считаются почти «импрессионистскими» из-за живости его манеры письма. Он также был опытным портретистом, и его «Девушка с жемчужной сережкой» была названа «Мона Лиза с севера».

ARTEMISIA GENTILESCHI (1597-1654)

Одна из самых одаренных художников эпохи раннего барокко, она была первой художницей, ставшей членом Академии искусства дель Дисеньо во Флоренции.Переоценка ее работ за последние десятилетия позволила Джентилески занять заслуженное место среди величайших художников своей эпохи.

ЖАННА МИРА (1893–1983)

Как и большинство гениев, Миро — художник, не поддающийся определению. Его интерес к миру бессознательного, к этим идеям и эмоциям, скрытым в глубинах разума, связывают его с сюрреализмом, но с личным стилем, иногда более близким к фовизму и экспрессионизму. Наиболее значимые его работы — это работы из цикла «Созвездия», созданного в начале 40-х годов.

TOMMASO MASACCIO (1401-1428)

Мазаччо был одним из первых старых мастеров, использовавших в своих работах законы научной перспективы. Один из величайших и самых новаторских художников раннего Возрождения.

МАРК ШАГАЛ (1887-1985)

Художник грез и фантазий, Шагал всю свою жизнь был иммигрантом, очарованным светом и красками мест, которые он посетил. Немногие имена из Парижской школы начала двадцатого века внесли такой большой вклад — и с таким разнообразием идей — в изменение современного искусства, как этот человек, «впечатленный светом», как он сам себя определил.

ПЬЕРО ДЕЛЛА ФРАНЧЕСКА (1416-1492)

Несмотря на то, что искусство Пьеро делла Франческа является одной из важнейших фигур кватроченто, его называют «холодным», «иератическим» или даже «безличным». Но с появлением Беренсона и великих историков его эпохи, таких как Мишель Эрубель, восхищавшийся «метафизическим измерением» картин Пьеро, его точное и детальное Искусство наконец заняло то место, которого оно заслуживает в Истории искусства.

ПИЕТ МОНДРИАН (1872-1944)

Мондриан, наряду с Кандинским и Малевичем, является ведущей фигурой ранней абстрактной живописи. Эмигрировав в Нью-Йорк, Мондриан наполнил свои абстрактные картины завораживающим эмоциональным оттенком, что можно увидеть в его серии «буги-вуги», созданной в середине 40-х годов.

ГУСТАВ КУРБЕ (1819-1877)

Ведущая фигура реализма и ключевой прецедент для импрессионистов, Курбе был одним из величайших революционеров в истории живописи как художник и как общественный деятель.Подобно Рембрандту и другим предшественникам, Курбе не стремился создавать красоту, но считал, что красота достигается, когда художник представляет чистейшую реальность без каких-либо уловок.

НИКОЛАС ПОУСИН (1594-1665)

Пуссен, величайший из великих французских художников эпохи барокко, на протяжении многих веков оказывал жизненно важное влияние на французскую живопись. Его использование цвета уникально среди всех художников его эпохи.

ГУСТАВ КЛИМТ (1862-1918)

На полпути между модернизмом и символизмом появляется фигура Густава Климта, который также был приверженцем промышленного искусства.Его почти абстрактные пейзажи также делают его предшественником геометрической абстракции.

ЭВГОН ДЕЛАКРУА (1798-1863)

Эжен Делакруа — французский художник-романтик по преимуществу и одно из самых значительных имен в европейской живописи первой половины XIX века. Его знаменитая «Свобода, ведущая народ» также демонстрирует способность живописи стать символом эпохи.

ПАОЛО УЧЕЛЛО (1397-1475)

«Одинокий, эксцентричный, меланхоличный и бедный».Этими четырьмя словами Джорджо Вазари описал одного из самых смелых гениев раннего флорентийского Возрождения Паоло Уччелло. Без сомнения, одна из ключевых фигур Quattrocento.

УИЛЬЯМ БЛЕЙК (1757-1827)

Революционер и мистик, художник и поэт, Блейк — один из самых интересных художников любой эпохи. Его акварели, гравюры и темпера наполнены буйным воображением (почти безумием), уникальным среди художников его эпохи

.

КАСПАР ДЭВИД ФРИДРИХ (1774-1840)

Ведущая фигура немецкой романтической живописи, Фридрих был, как сказал Давид д’Ангерс, человеком, открывшим «трагедию пейзажа», художником пейзажей одиночества и горя, человеческие фигуры смотрели на ужасающее великолепие природы.

КАЗИМИР МАЛЕВИЧ (1878-1935)

Создатель супрематизма (не искажайте это слово…), Малевич навсегда останется одной из самых противоречивых фигур в истории искусства среди широкой публики, разделенной на тех, кто считает его существенным новатором, и тех, кто считает, что его работы основаны на на полигонах чистых цветов не заслуживают рассмотрения ст.

УИЛЛЕМ ДЕ КУНИНГ (1904–1997)

После Поллока, ведущая фигура абстрактного экспрессионизма, хотя он никогда не чувствовал себя ограниченным абстракцией, часто прибегая к душераздирающей фигуративной живописи (его серия «Женщины» — лучший пример), оказавшей большое влияние на более поздних художников, таких как Фрэнсис Бэкон. или Люсьен Фрейд.

WINSLOW HOMER (1836-1910)

Гомер, главная фигура американской живописи своей эпохи, был глотком свежего воздуха для американской художественной сцены, которая несколько «застряла» в академической живописи и более романтичной школе реки Гудзон. Свободный и живой мазок Гомера почти импрессионистичен.

ГЕРХАРД РИХТЕР (род.1932)

Один из самых выдающихся художников последних десятилетий, Рихтер известен не только своими жестокими и красочными абстракциями, но и безмятежными фотореалистичными пейзажами и сценами со свечами.

MARCEL DUCHAMP (1887-1968)

Одна из главных фигур дадаизма и прототип «художника тотального», Дюшан — одна из самых важных и противоречивых фигур своей эпохи. Его вклад в живопись — лишь малая часть его огромного вклада в мир искусства.

SANDRO BOTTICELLI (1445-1510)

«Если бы Боттичелли был жив сегодня, он работал бы на Vogue», — сказал актер Петр Устинов.Как и Рафаэля, Боттичелли в разные эпохи любили и ненавидели одинаково, но его использование цвета — одно из самых захватывающих среди всех старых мастеров.

MAGDALENA CARMEN FRIDA KAHLO CLADERÓN (1907-1954)

В последние годы растущая слава Фриды, кажется, затмевает ее значение в латиноамериканском искусстве. С детства отмеченные физическими последствиями автобусной аварии, автопортреты Кало кажутся тихими, но сильными воплями.

ЭДВАРД ХОППЕР (1882-1967)

Хоппер широко известен как художник городского одиночества. Его самая известная работа, сказочные «Ночные ястребы» (1942), стала символом уединения современного мегаполиса и одной из икон искусства ХХ века.

МАРК РОТКО (1903-1970)

Влияние Ротко на историю живописи еще предстоит количественно оценить, потому что правда состоит в том, что спустя полвека после его смерти влияние больших, ослепительных и эмоциональных масс цвета Ротко продолжает присутствовать во многих живописцах 21 века. .

АНДРЕА МАНТЕГНА (1431-1506)

Один из величайших представителей кватроченто, интересовавшийся человеческими фигурами, которые он часто представлял в экстремальных ракурсах («Мертвый Христос»).

ПОЛ КЛИ (1879-1940)

В период художественных революций и новшеств лишь немногие художники играли столь важную роль, как Пауль Клее. Его исследования цвета, широко преподаваемые в Баухаусе, уникальны среди всех художников его времени.

ГАНС ХОЛЬБЕЙН МЛАДШИЙ (1497-1543)

После Дюрера Гольбейн — величайший из немецких живописцев своего времени. Очаровательный портрет «Послов» до сих пор считается одной из самых загадочных картин эпохи Возрождения.

ЭДГАР ДЕГАС (1834-1917)

Хотя Дега на самом деле не был художником-импрессионистом, его работы разделяли идеалы этого художественного направления. Картины Дега с изображением юных танцоров или балерин — это иконы живописи конца 19 века.

FRA ANGELICO (1387-1455)

Один из великих колористов раннего Возрождения. Первоначально получив образование осветителя, он является автором таких шедевров, как «Благовещение» в музее Прадо.

ДЖОРДЖС СЕУРА (1859–1891)

Жорж Сёра — один из самых выдающихся художников-постимпрессионистов, он считается создателем «пуантилизма», стиля живописи, в котором небольшие отдельные точки основных цветов создают впечатление широкого выбора вторичных и промежуточных цветов. .

ЖАН-АНТУАН ВАТТО (1684-1721)

Ватто сегодня считается одним из пионеров стиля рококо. К сожалению, он умер на пике своих возможностей, о чем свидетельствует великий портрет «Жиля», написанный в год его смерти.

SALVADOR DALÍ (1904-1989)

«Я сюрреализм!» — кричал Дали, когда Андре Бретон исключил его из сюрреалистического движения. Хотя эта цитата звучит самонадеянно (что не было необычным для Дали), дело в том, что сейчас картины Дали являются самыми известными изображениями всего сюрреалистического движения.

ДЭВИД ХОКНИ (род.1937)

Дэвид Хокни — один из живых мифов поп-арта. Он родился в Великобритании и переехал в Калифорнию, где сразу почувствовал себя отождествленным со светом, культурой и городским пейзажем «Золотого штата».

МАКС ЭРНСТ (1891-1976)

На полпути между сюрреализмом и дадаизмом появляется Макс Эрнст, важный для обоих движений. Эрнст был отважным исследователем искусства, отчасти благодаря поддержке своей жены и покровительницы Пегги Гуггенхайм.

ТИНТОРЕТТО (1518-1594)

Тинторетто — самый яркий из всех венецианских мастеров (не самый лучший, такую ​​честь могут вернуть только Тициан или Джорджоне), и его замечательные произведения не только закрыли венецианское великолепие (до появления Каналетто и его современников), но и сделали он последний из мастеров Чинквеченто.

ДЖАСПЕР ДЖОНС (1930 г.р.)

Легенда раннего поп-арта, хотя никогда не считал себя «поп-артистом».Самые известные его работы — серии «Флаги» и «Мишени».

UMBERTO BOCCIONI (1882-1916)

Высшая фигура итальянского футуризма, очарованная миром индустрии, и движение как символ современности.

ДУЧЧИО ДА БУОНИНСЕНЬЯ (ок. 1255/60 — 1318/19)

В то время как во Флоренции Джотто ди Бондоне менял историю живописи, Дуччо из Буонинсеньи подарил глоток свежего воздуха важной сиенской школе.

РОДЖЕР ВАН ДЕР ВЕЙДЕН (1399-1464)

После Ван Эйка, ведущего представителя фламандской живописи пятнадцатого века; мастер перспективы и композиции.

Джон Констейбл (1776-1837)

Джон Констебл (1776-1837) — наряду с Тернером великая фигура английского романтизма. Но, в отличие от своего современника, он никогда не покидал Англию и все свое время посвящал изображению жизни и пейзажей своей любимой Англии.

ЖАК-ЛУИ ДЭВИД (1748-1825)

Давид — вершина неоклассицизма, грандиозный художник, чьи композиции, кажется, отражают его собственную лихорадочную и революционную жизнь.

АРШИЛЛ ГОРКИ (1905-1948)

Американский художник армянского происхождения, Горький был художником-сюрреалистом, а также одним из лидеров абстрактного экспрессионизма. Его называли «Энгром бессознательного».

ДЖОРДЖО БАРБАРЕЛЛИ ДА КАСТЕЛЬФРАНКО (1478-1510)

Как и многие другие художники, умершие в молодом возрасте, Джорджоне (1477-1510) заставляет задуматься, какое место занимала бы его изысканная живопись в истории искусства, если бы он прожил долгую жизнь, как и его прямой художественный наследник-Титиан- делал.

HIERONYMUS BOSCH (1450-1516)

Чрезвычайно религиозный человек, все работы Босха в основе своей нравоучительны, поучительны. Художник видел в обществе своего времени торжество греха, разврата и все то, что привело к падению человека с его ангельского характера; и он хотел предупредить своих современников об ужасных последствиях своих нечистых поступков.

ПИТЕР БРЮГЕЛЬ СТАРЕЙШИЙ (1528-1569)

Многие люди находят важные сходства между работами Иеронимуса Босха и Брейгеля, но правда в том, что различия между ними ужасны.Принимая во внимание, что фантазии Босха рождаются из глубокого обмана и озабоченности человеческим существом с явно морализирующим посланием; Работы Брейгеля полны иронии и даже любви к сельской жизни, которая, кажется, предвосхищает голландские пейзажи следующего века.

СИМОНЕ МАРТИНИ (1284-1344)

Один из величайших художников Треченто, он сделал шаг вперед и помог расширить его прогресс, кульминацией которого стал «Международный стиль».

ФРАНЦ МАРК (1880-1916)

После Кандинского, великая фигура группы экспрессионистов «Синий всадник» и один из самых значительных художников-экспрессионистов всех времен. Он умер на пике своих художественных способностей, когда его использование цвета даже предвосхищало более позднюю абстракцию.

PIERRE-AUGUSTE RENOIR (1841-1919)

Один из ключевых фигур импрессионизма, он вскоре оставил движение, чтобы заняться более личной, академической живописью.

ТЕОДОР ЖРИКО (1791-1824)

Ключевая фигура романтизма, революционер в своей жизни и творчестве, несмотря на его буржуазное происхождение. В своем шедевре «Плот Медузы» Жерико создает картину, которую мы можем определить как «политически некорректную», поскольку на ней изображены страдания большой группы потерпевших кораблекрушение, брошенных после крушения французского военно-морского фрегата.

УИЛЬЯМ ХОГАРТ (1697-1764)

Список великих художников-портретистов всех времен не должен упускать из виду имя Уильяма Хогарта, чьи исследования и зарисовки можно даже квалифицировать как «преимпрессионистов».

JEAN-BAPTISTE CAMILLE COROT (1796-1875)

Одна из величайших фигур французского реализма XIX века и, безусловно, одна из самых влиятельных художников-импрессионистов, таких как Моне или Ренуар, благодаря его любви к «воздушной» живописи, подчеркивающей использование света.

ЖОРЖ БРАК (1882-1963)

Наряду с Пикассо и Хуаном Грисом, главными фигурами кубизма, важнейшим авангардом искусства ХХ века.

БЕРТЕ МАРИ ПОЛИН МОРИСО (1841-1895)

Один из самых талантливых художников эпохи импрессионизма, наряду с Мэри Кассат и Мари Бракемон, считающийся одним из «les trois grandes dames» импрессионизма.

ДЖЕЙМС ЭББОТ МАКНИЛ УИСТЛЕР (1834–1903)

Наряду с Уинслоу Гомером, великой фигурой американской живописи своего времени. Уистлер был прекрасным портретистом, что отражено на сказочном портрете его матери, который считается одним из величайших шедевров американской живописи всех времен.

ЦЕРКОВЬ ФРЕДЕРИКА ЭДВИНА (1826-1900)

Черч представляет собой кульминацию школы реки Гудзон: в нем была любовь Томаса Коула к пейзажу, романтический лиризм Ашера Брауна Дюрана и высокопарность Альберта Бирштадта, но он был храбрее и технически одарен, чем кто-либо из них. Черч, без сомнения, является одним из величайших художников-пейзажистов всех времен, которого, возможно, превзошли только Тернер и некоторые импрессионисты и постимпрессионисты, такие как Моне или Сезанн.

ЖОРЖ ДЕ ЛА ТУР (1593–1652)

Влияние Караваджо очевидно в Де ла Тур, чье использование света и тени уникально среди художников эпохи барокко.

JEAN.FRANÇOIS MILLET (1814-1875)

Одна из главных фигур барбизонской школы, создатель одной из самых эмоциональных картин XIX века: «Ангелус».

АМЕДЕО МОДИЛЬЯНИ (1884-1920)

Один из самых оригинальных портретистов в истории живописи, считающийся «проклятым» художником из-за его бурной жизни и ранней смерти.

ÉLISABETH-LOUISE VIGÉE LE BRUN (1755-1842)

Расположенная между поздним рококо и ранним неоклассицизмом, Элизабет Виже Ле Брен была одной из самых востребованных портретистов своей эпохи.

РЕНЕ МАГРИТ (1898-1967)

Одна из ведущих фигур сюрреализма, его кажущиеся простыми работы — результат сложного размышления о реальности и мире снов

CIMABUE (ок.1240-1302)

Хотя в некоторых из своих работ Чимабуэ уже представлял видимую эволюцию жесткого византийского искусства, его величайшим вкладом в живопись было открытие молодого талантливого художника по имени Джотто (см. Номер 2), который навсегда изменил западную живопись.

ДЖЕЙМС ЭНСОР (1860-1949)

Жестокий художник, чьи сильные, почти «незаконченные» работы делают его предшественником экспрессионизма

ЭГОН ШИЛЕ (1890-1918)

Другой художник, «умерший слишком молодым», его сильные и безжалостные портреты повлияли на работы более поздних художников, таких как Люсьен Фрейд или Фрэнсис Бэкон.

ДАНТЕ ГАБРИЭЛЬ РОССЕТТИ (1828–1882)

Возможно, ключевой фигурой в движении прерафаэлитов, Россетти оставил поэзию, чтобы сосредоточиться на классической живописи со стилем, который повлиял на символизм.

FRANS HALS (ок. 1580-1666)

Один из самых выдающихся портретистов всех времен, его яркая манера письма оказала влияние на ранний импрессионизм.

КЛОД ЛОРРЕН (1600-1682)

Его работы оказали жизненно важное влияние на многих пейзажистов на протяжении многих веков как в Европе (Коро, Курбе), так и в Америке (Школа реки Гудзон).

РОЙ ЛИХТЕНШТЕЙН (1923-1977)

Вместе с Энди Уорхолом, самым известным деятелем американского поп-арта. Его работы часто связаны со стилем комиксов, хотя Лихтенштейн отверг эту идею.

ФРАНЦИСКО ДЕ СУРБАРАН (1598-1664)

Самый близкий к Караваджо из всех испанских художников эпохи барокко, его последние работы демонстрируют мастерство светотени, не имеющее аналогов среди других художников его времени, за исключением Жоржа де ла Тур.

ГРУЗИЯ ОКИФ (1887-1986)

О’Киф, ведущая фигура американского искусства XX века, единолично изменил определение западноамериканской живописи.

БЭНКСИ (1974 г.р.?)

Последнее и самое загадочное имя в этом списке — Бэнкси, псевдоним самого известного уличного художника нашей эпохи.

УИЛЬЯМ-АДОЛЬФ БУГЕРО (1825–1905)

Очередной случай «люби его или ненавидь» художника.Его стиль восхищался и пользовался огромным спросом, а после подъема авангарда его стиль был предан забвению, хотя в последние годы он был в некоторой степени «открыт заново».

ГУСТАВ МОРЕ (1826-1898)

Одна из ключевых фигур символизма, интровертная и загадочная в жизни, но очень свободная и яркая в своих работах.

ДЖОРДЖО ДЕ ЧИРИКО (1888–1978)

Считается отцом метафизической живописи и оказал большое влияние на движение сюрреалистов.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.